[Cine] Llega a la cartelera “Muere Monstruo Muere”, una película sobre una bestia de la cordillera

Tras un paso por festivales internacionales como Cannes, Sitges y Mar del Plata, “Muere Monstruo Muere” del argentino Alejandro Fadel llega a las plataformas de la Red de Salas de Cine, la Cineteca Nacional y Matucana 100 este 29 de octubre. La película, que transita entre el cine de género y autoral, se adrenta en el miedo y el terror, a través de una bestia despiadada

 

El jueves 29 de octubre llega a la cartelera nacional online “Muere Monstruo Muere” (109’) del destacado guionista y director argentino Alejandro Fadel. La película; una coproducción entre Chile, Argentina y Francia;  nos presenta una abominable criatura que mata sin piedad y también acecha las conciencias de quienes intentan detenerla. 

 

Estrenada en la sección “Una Cierta Mirada” de Cannes 2018, la película ocurre en una zona precordillerana de Mendoza y le sigue la pista a Cruz, un policía rural, que investiga una seguidilla de despiadados femicidios. El oficial, es amante de Francisca, esposa de David, quien es acusado de los crímenes y enviado a un hospital psiquiátrico. David atribuye las muertes a la inexplicable y brutal aparición del “Monstruo”. Cruz tropieza con una misteriosa teoría que involucra la geometría del paisaje, unos motociclistas de montaña y un mantra grabado en su cabeza: Muere, Monstruo, Muere.

Este es el segundo largometraje de Alejandro Fadel, luego de su ópera prima Los Salvajes, que fue estrenada y premiada en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes 2018, además de ganar una decena de premios internacionales. “Esta vez hubo un deseo de ir al encuentro de ciertas imágenes, sonidos, rostros, formas, paisajes. Esto era más fuerte porque escribí la película pensando en Mendoza, la provincia donde crecí, y en la materia opaca donde se construyen los recuerdos”, dice el director sobre su nuevo trabajo.

 

“Muere Monstruo Muere se estrenó mundialmente en el Festival de Cannes 2019 y tuvo un interesante recorrido por el circuito de festivales de cine fantástico de terror, como el Festival Internacional de Sitges, donde obtuvo el premio “Blood Windo” a la mejor película Iberoamericana.  “Quería filmar las montañas que había subido cuando adolescente, el viejo monasterio, el regimiento, el hospital psiquiátrico, todo eso. Sin embargo, cuando apareció el elemento fantástico del monstruo, la película dejó de ser una serie de conceptos para transformarse en una ficción” detalla Fadel.

 

El monstruo fue construido a partir de un intenso trabajo de un equipo que construyó al personaje mezclando el maquillaje, vestuario, animatronic y componentes digitales, para lograr una apariencia abominable y terrorífica. El director se inspiró en los elementos de la cordillera y el paisaje para dar vida a la bestia. “La criatura es un monstruo ambiguo, un cuerpo extraño, imposible de clasificar o normalizar. Como las sexualidades hoy en día, debatiéndose, poniendo en duda, con la potencia del presente, eso que nuestra cultura se empeña en mantener de manera binaria, unívoca”.

En “Muere Monstruo Muere” el paisaje mendocino, muy cercano a Chile, se vuelve irreal, fantástico y claustrofóbico, rodeado de las cumbres nevadas de los Andes. Acompañado de personajes apartados del mainstream, deformes, con voces de ultratumba y que de noche  bailan canciones románticas. Sobre esto último y el elenco, conformado por actores naturales de Mendoza, Fadel destaca: “me interesa, la materialidad del lenguaje, la oralidad. No sería la misma película si los actores no tuvieran el acento, o los diversos acentos, con los que se habla en la película. Es evidente que hay una verdad documental en los cuerpos y en sus voces, y eso también es parte de la película”.

 

La película cuenta con las actuaciones de Víctor López, Esteban Bigliardi, Tania Casciani, Jorge Prado, Sofía Palomino y Stéphane Rideau. 

 

La película es una obra de las casa productoras “La Unión de Los Ríos” (Argentina) “Rouge International” y “UProduction” (Francia) y “Cinestación”, donde trabajaron los destacados cineastas locales Dominga Sotomayor (“Tarde para morir joven”, 2019) y Omar Zúñiga (“Los Fuertes”, 2020).

El estreno online de “Muere Monstruo Muere”, distribuido por DCI Distribución, será el día 29 de octubre y estará disponible para verla a través de la Red Salas (www.redsalas.cl), Cineteca Nacional Online (https://www.cclm.cl/cineteca-nacional-de-chile/) y también en Matucana 100 (www.m100.cl). 

[Cine] Enigma: película reflexiona sobre la televisión a través de un drama familiar en los noventa

El pasado 3 de septiembre se estrenó “Enigma”, ópera prima del destacado director chileno Ignacio Juricic (30). Después de pasar por el Festival de Cine de San Sebastián y el Festival de Cine de Valdivia estará disponible online en Red Salas y Matucana 100. La película es una reflexión sobre la televisión y la representación de los crímenes de odio. 

“Enigma” (83’) es la primera película del director Ignacio Juricic y la productora ejecutiva Mariana Tejos Martignoni (productora Inefable). Ambos trabajaron anteriormente en el cortometraje “Locas Perdidas”, que fue doblemente galardonado en el Festival de Cine de Cannes del 2015 obteniendo el segundo lugar de su categoría y la Queer Palm al mejor cortometraje con temática LGBT de la selección oficial.

Ahora, Juricic dirige a Roxana Campos, recordada actriz de teleseries de TVN como “La Fiera”, “Iorana”, “Romané”, “Pampa Ilusión”, “El Circo de las Montini”, “Los Pincheira”, entre otras producciones de la época dorada del canal estatal.

Ella interpreta a Nancy, una mujer de clase media y madre de Sandra, una joven lesbiana asesinada a golpes afuera de una discoteque en el año 86 en un crimen sin responsables. La película se sitúa ocho años después, cuando es invitada a un programa de televisión sobre misterios sin resolver para hablar del caso de su hija. Mientras decide si participar o no, se enfrenta al trauma, a su propia familia y a las distintas versiones que cada uno tiene de lo sucedido. 

El largometraje además explora una reflexión, más contingente que nunca, respecto al morbo y el rol de los medios. “Hay algo importante ahí, de desnaturalizar algo a lo que estamos súper acostumbrados. Por ejemplo, los espacios de crímenes sin resolver ¿qué hay detrás de eso? ¿Por qué algunas muertes son para crónica roja y se dan a conocer los detalles más escabrosos e íntimos y en otros no? Hay personas, familias que pueden verse afectados por esos contenidos ”, dice Juricic, quien es titulado de la carrera de Cine y Televisión de la Universidad de Chile.

El director agrega: “Cuando estas personas van a la televisión no son ingenuas, saben que es la única herramienta que tienen para que se haga justicia. Son conscientes de lo que tienen que arriesgar para tener justicia. O sino no se puede. Están sobreviviendo. Eso habla de la desigualdad de clase, raza, género, etc”.

En paralelo, “Enigma” se asienta en un territorio poco explorado por el cine chileno actual: el entramado universo femenino de la clase media-baja. La película se inmiscuye en los vínculos familiares entre madres, hijas, hermanas, tías y sobrinas, retratando secretos, viejos dolores y coraje a través de un tratamiento íntimo y en el que es fácil reconocerse. 

“Me crié con mis 3 hermanas y mi mamá, que a su vez tiene tres hermanas y yo crecí rodeado de todas ellas. En general, la familia en la película está construida en base a eso como recuerdo”, afirma Juricic. “Si bien es algo muy personal, siento que representa una identidad local. Me parecía que era la forma más honesta de hacer esta película”.

El rodaje se extendió por 24 días, durante el mes de noviembre del 2017 y se realizó en el sector de el Salto, en la comuna de Huechuraba.

Para Roxana Campos, el desarrollo de su personaje fue una etapa significativa para su carrera. “Fue precioso pero desafiante, Nancy lleva todo internamente, jamás expresa lo que realmente siente, entonces eso fue muy delicioso de explorar y trabajar con Ignacio que siempre estuvo allí con una presencia y talento admirable”, dice la protagonista.

La película cuenta con las actuaciones de Claudia Cabezas (“No”, 2012), Paula Zúñiga (“El primero de la familia”, 2016) y Rodrigo Pérez (“Tony Manero”, 2008), Belén Herrera (“Ramona”, de TVN), entre otros. 

Actualmente, Ignacio Juricic y Mariana Tejos están en la preproducción de una serie web, pensada como comedia educativa para jóvenes, sobre las infecciones de transmisión sexual, para la cual obtuvieron el financiamiento del Fondo Audiovisual del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio. Por separado, tienen otros proyectos en carpeta. Juricic ya está escribiendo su próxima película, mientras que Tejos está en proceso de postproducción de la segunda película de Claudia Huaiquimilla (“Mala Junta”, 2017) titulada “Mis hermanos sueñan despiertos”. 

El estreno online de “Enigma”, distribuido por DCI Distribución, será el día 3 de septiembre y estará disponible para verla a través de la Red Salas (www.redsalas.cl) y Matucana 100 (www.m100.cl). En ambas plataformas el valor será de $2.000. La película llega a la cartelera tras haber sido seleccionada en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián y premiada con la Mención Especial del Jurado en FICValdivia 2018. 

[Reseña cine] Los Fuertes: Una linda historia de amor en el sur de Chile

Esta semana llegó a los cines Los Fuertes, ópera prima del director chileno Omar Zúñiga. La película está protagonizada por Samuel González y Antonio Altamirano. Esta es una linda historia de amor entre dos hombres que tiene a Valdivia como escenario principal.

El largometraje cuenta una historia de amor apasionada y genuina entre dos hombres, en un pueblo al sur de Chile. Lucas (Samuel González) es un arquitecto que viaja a visitar a su hermana y allí conoce a Antonio (Antonio Altamirano). Un intenso romance comienza a surgir entre ambos y, con ello, su fuerza, independencia y adultez se vuelven inamovibles.

La película es muy entretenida, consigue envolvernos con el romanticismo, lo mágico y lo íntimo de la historia, destacando la química que hay entre ambos protagonistas. Las miradas, las caricias, los besos, las peleas, todo se ve muy genuino y se transmite a través de la pantalla.  Acá no hay morbosidad, hay amor.

Los personajes secundarios también juegan un papel importante, son interesantes y aportan a la película. Quizás se podrían haber desarrollado un poco más sus historias, quedé con ganas de conocer más sobre ellos. De todas maneras se entiende, ya que los protagonistas son Lucas y Antonio.

Los paisajes y locaciones que nos muestran en Los Fuertes son preciosos. Nos encontramos con varias postales muy lindas. Gran trabajo de fotografía.

Sin duda, Omar Zúñiga, director de la película, partió con el pie derecho logrando una muy buena película. No se pierdan Los Fuertes, un super panorama para este fin de semana. Consulten la cartelera en Cinépolis, Cinemark y salas alternativas. Totalmente recomendada.

Por Gustavo Hernández

[Noticias cine] Al Desierto: película chileno argentina rodada en la Patagonia llega a salas de cine

El largometraje del director argentino Ulises Rosell formó parte de la competencia Horizontes Latinos del Festival Internacional de Cine de San Sebastián y se suma este 17 de octubre a la cartelera local.

La película “Al Desierto”, del director argentino Ulises Rosell, es un drama que transcurre en la patagonia ilustrando la crudeza, la soledad de ese lugar y hace un acercamiento al mito de las cautivas. Desde este 17 de octubre se integra a la cartelera de multisalas y salas alternativas de cine de Antofagasta a Coyhaique.

El elenco, compuesto por talentos chilenos y argentinos, está liderado por la actriz Valentina Bassi (Julia), Jorge Sesán (Gwynfor), José María Marcos (Prieto) y Gastón Salgado (Ahumada).

El film retrata la historia de Julia, una joven que trabaja en un casino de juegos en la zona patagónica de Comodoro Rivadavia, donde es muy mal pagada. Ahí conoce a Gwynfor, un empleado de una empresa petrolera de la zona, que le promete un puesto de trabajo. Con ese motivo juntos, emprenden una travesía que se vuelve una pesadilla en medio del desierto.

Ulises Rosell, director de la cinta, detalla que “esta historia trata de las situaciones de aislamiento, de no estar bajo la mirada de los demás, que puede sacar a luz otras facetas de los personajes. Creo que esa condición permite una libertad de acciones pero acá se abre al beneficio de la duda. Nadie sabe cómo puede ser cada uno en circunstancias extremas”.

Rosell se ha desempeñado tanto en el terreno de la ficción como en el documental para cine (El etnógrafo, 2013) y televisión en el país trasandino (“Diálogos fundamentales del Bicentenario”, 2011 y “Crímenes a la medida de la historia”, 2007).

Con respecto al elenco, Rosell explica que los protagonistas Valentina Bassi (actriz de origen patagónica de teatro, televisión y cine) y Jorge Sesán (utilero de cine y protagonista del clásico del cine argentino “Pizza, Birra y Faso”, 1998) no se conocían ni tampoco se vieron hasta que tuvieron que rodar las escenas de la película. “Para filmar un secuestro quería una pareja sin química previa”, asegura al teléfono desde Argentina.

En esta obra el director ofrece una reflexión acerca del mito de las cautivas, robos de personas –especialmente mujeres y niños– que realizaban indígenas a otros grupos con los que tenían conflictos armados en la pampa durante el siglo XIX y descrito en la literatura argentina como el clásico Martín Fierro de José Hernández.

Rosell señala que indagar en esas dinámicas vino a su cabeza cuando se encontraba en la localidad de Chaco Salteño investigando para su célebre documental ‘El etnógrafo’. Dicha obra da a conocer la cosmovisión de la comunidad indígena wichí de la mano del antropólogo inglés John Palmer, quien llegó a esa localidad para estudiar a ese grupo y terminó convirtiéndose en su representante legal y uno de sus miembros.

“Descubrí que al igual que en la pampa del siglo XIX, aún existían los espacios infinitos, aquellos que posibilitan los cautiverios al aire libre volviendo inútil todo intento de fuga. Entonces volvió la idea de la cautiva, adaptada a este escenario patagónico”, apunta sobre la obra que le valió el Premio a Mejor Documental, Festival de Biarritz el año 2012.

Otro elemento crucial en esta obra es el papel de la naturaleza, que se transforma en un personaje más, gracias al tratamiento audiovisual que Rosell y su equipo se propusieron proyectar. “Componer con el horizonte y dos personajes, tiene el atractivo de encontrar las infinitas variaciones, y eso a la larga ordena y va trazando un estilo. A los que nos formamos viendo cine con esos entornos nos llevan a pensar en el Western, que es una de las formas más bellas del cine”, destaca el director.

“Al Desierto” llega a salas de cine locales tras su paso por el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata y la sección Horizontes Latinos del Festival Internacional de San Sebastián.

Junto al trabajo de Rosell se exhibirá el cortometraje “Hombre eléctrico”, del director nacional Álvaro Muñoz. La historia se centra en un pequeño pueblo en medio del desierto donde los espejismos cobran vida y donde el tiempo parece no avanzar. Ahí viven Fresia y Gastón, su hijo, que reviven sonidos, música y gestos gracias a una bicicleta que les permite ser los únicos con electricidad.

Fuente: DCI Distribución

[Reseña cine] La casa lobo: Un escalofriante stop-motion chileno

La Casa Lobo es una de las películas chilenas más interesantes que he visto en el último tiempo, pero no es apta para todos. Un cuento que reluce a la vista por su estilo de animación siempre llama la atención, pero esta película se plantea además como una propuesta más bien artística, siniestra en su forma y que se sustenta de un subtexto político y religioso. La historia entra con inspiraciones evidentes a la Colonia Dignidad al presentarnos a María, una alemana que da a parar en una casa en medio del bosque luego de escapar de una secta de religiosos alemanes, esto por liberar a dos cerdos de la granja. Aquí se vuelve a encontrar con los cerdos, los que se transforman en humanos, todo mientras son asechados por un lobo que ronda en las afueras de la casa.

La película no tiene como fin principal entretener, algo claro al toparnos con una narrativa poco ágil y relatada desde un eterno monólogo. Pero sí consigue generarte múltiples sensaciones mientras te va encerrando en su brillante sentido estético y sonoro. La animación stop-motion luce sensacional, más aún por la forma en que aprovechan toda esa viscosidad y surrealismo para volverla una experiencia escalofriante y llena de criticas sociales. Es notoriamente un ejercicio de cine poco tradicional, pero muy bien ejecutado en todos sus detalles. La cantidad de información por cada foto en movimiento da para múltiples interpretaciones, y aunque sacáramos la profundidad en el lenguaje de la ecuación, tan solo su belleza puede ser disfrutada por sí misma.

Es un trabajo muy meritorio por parte de los artistas visuales Cristóbal León y Joaquín Cociña, quizás no destinado a satisfacer a todo tipo de público, pero sí un derroche de talento puesto sobre una película valiosa que debiera ser una visita obligada para cualquier interesado en este tipo de animación. Pueden ver La Casa Lobo desde hoy en salas alternativas de nuestro país.

Por Andrés Leiva

[Reseña cine] En Tránsito: Un cuerpo en movimiento

De la mano de Productora Inefable, con el apoyo de la Universidad Mayor y distribuido por DCI. Hoy llega a exhibirse el documental En Tránsito.

En poco más de una hora, el documental de la directora Constanza Gallardo Vásquez, consigue una narrativa que logra evocar qué es ser trans. No hablo solo del indignante proceso de cambiarse el nombre y el género, si no que En Tránsito logra evocar la humanidad que día a día pierden a causa de la discriminación y violencia.

Los protagonistas son Mara Rita, Matías Reyes, Patricia Retamal y Gis Jordan. Los cuatro caminan, conversan; todos son el reflejo de querer vivir, de las dificultades que conlleva ser aceptados. Tienen una lucha constante que no pueden abandonar.

La Encuesta T es la primera encuesta para personas trans y de género no conforme aquí en Chile. De acuerdo con los resultados de la implementación de ésta en el 2017, se mostraron cifras alarmantes. Entre los números, un 55,2% declaró haber tenido algún intento de suicidio en su vida, siendo un 83,6% el que pensó hacerlo entre los 11 y 18 años.

En Tránsito es un llamado directo de atención, no podemos deshumanizar y humillar a personas que piden lo mínimo: ser ellos mismos. A través de, relatos intercalados entre una persona y otra, nos guían hacia una historia de amor, dignidad y respeto.

Desde el punto de vista adolescente de Matías Reyes a la adultez de Patricia Retamal, la película nos permite ver la introspección que ellos han tenido, mientras ésta provoca en el espectador una sensación entre pena y rabia.

Pena y rabia porque, muchas historias como estas no vieron ni verán la luz, las personas necesitan cambiar y ver documentales como el presente. Al final todos queremos lo mismo, querer y ser queridos. Nada nos diferencia uno del otro. Cuando ellos no conversan con la cámara, la voz de Monserrat Ovalle llena el silencio con poemas tan humanos como dolorosos.

El documental ha sido seleccionado en diferentes festivales desde Santiago Lab de SANFIC a el Festival de Cine Latino de Toulouse en Francia. Incluso ganó el premio a Mejor documental Internacional BioBio Cine de este año, entre otras menciones.

Por Constanza Lobos

[Reseña cine] La isla de los pingüinos: Más que un movimiento social

La llamada revolución de los pingüinos fue el movimiento estudiantil que sacudió las cosas en Chile ahí por el 2006, y pese a que no me considero un nostálgico por haber estado alejado de ese proceso, La Isla de los Pingüinos consigue hablarme a mí y a muchos más gracias a lo transgeneracional de las temáticas que trata. Podría haber sido un pseudo documental correcto, o una historia con una pretensión más política que de personajes. Pero lo que deja es bastante más ameno al espectador común, definiéndose como una película de tinte adolescente que equilibra de buena manera su ritmo joven con valores que invitan a la reflexión.

Martín Riquelme refleja al típico estudiante ajeno al participar, y se convierte inmediatamente en el protagonista cuando su colegio se va a toma, tratándose además del primer establecimiento particular-subvencionado en adoptar esta medida. Junto a él encontramos a Laura, la presidenta del centro de alumnos y una antigua amiga de Martín. Está Paredes, el vicepresidente que tiene pinta de antagonista, y otro puñado de estudiantes aportan distintos matices a la trama. El nivel dramático se da más por las rencillas propias de un adolescente que de un factor externo. Aunque se nos advierte de un peligro allí afuera que amenaza no sólo la adopción de sus propuestas, sino que su misma integridad física, lo que termina siendo relevante es el grupo de jóvenes inexpertos, soñadores y con una identidad en progreso que se unen por un fin mayor.

Por más que ciertos personajes, tales como Paredes se sientan muy caricaturizados, se cumple el objetivo de que el contraste ayude a elevarte a los demás. Y la cinta consigue buenos pasajes, especialmente cuando entra a escarbar en la amistad como un pilar fundamental en la unión de un grupo. Todas las actuaciones principales mantienen el nivel que necesita la historia, Lucas Espinoza y Rallen Montenegro como Martín y Laura, respectivamente, Juan Cano como Paredes, o Germán Díaz como “J”, el mejor amigo de Martín y también el mejor personaje de la película. Junto a los demás y sumado al entusiasmo que le pone Guille Söhrens desde la dirección hace que La Isla de los Pingüinos motive desde más de un lugar.

Un movimiento social de esta envergadura que critica a los principales poderes del país también puede hacer algo más mediante la ficción, e independiente de qué tan cercana esté de lo que verdaderamente ocurrió en ese establecimiento, funciona como un mensaje para el público joven que llega en un buen momento, y que posiblemente podrá seguir llegando en los años venideros. Vean La Isla de los Pinguinos desde hoy mismo en las carteleras nacionales.

Por Andrés Leiva

[Concurso Todos al cine] La isla de los pingüinos / Terminado

Este jueves 10 de mayo llega a nuestros cines favoritos la película chilena La isla de los pingüinos. La cinta está dirigida por Guille Sohrens y protagonizada por Lucas Espinoza, Rallen Montenegro, Juan Cano, Paulina Moreno y German Diaz ... ¡No se la pierdan! Para celebrarlo les traemos un espectacular concurso para ganar invitaciones para verla. Participar es muy fácil, solamente deben completar el formulario adjunto y ser seguidores de nuestras redes sociales.

Los requisitos para participar son: 

1) Pinchar "me gusta" en las fan page Hojas Mágicas y DCI Distribución.
2) Completar el formulario.
3) Vivir en la Región Metropolitana.

El concurso comienza hoy y finaliza el 10 de mayo. Los ganadores serán informados en nuestra página de Facebook. A continuación les presentamos la sinopsis oficial, el afiche de la película y el entretenido trailer.

Sinopsis
Un grupo de adolescentes deciden tomarse su colegio, convirtiéndose en el primer establecimiento privado en sumarse al estallido de las protestas estudiantiles más importantes de la historia reciente de Chile. En paralelo ponen a prueba sus amistades, sus valores e identidades, chocando de frente con la realidad de convertirse en adultos.

Afiche

Trailer de la película

ESTRENO JUEVES 10 DE MAYO
Para conocer más información de futuros estrenos que tendremos en nuestro país, les recomendamos seguir la páginas de facebook de DCI Distribución.

[Reseña cine] Días de Cleo: Cuando la superstición se mezcla con la paranoia

Esta semana se estrena en el circuito de salas independientes la película chilena Días de Cleo de María Elvira Reymond y protagonizada por la actriz Natalia Ramírez. Cabe destacar que el filme formó parte de la Selección Oficial de Largometrajes Chilenos del Festival Internacional de Cine de Valdivia 2015.

Días de Cleo corresponde a la ópera prima de la directora y guionista María Elvira Reymond, es una historia sobre la superstición y la paranoia, y a la vez un relato sobre los estados de fragilidad en la vida de los seres humanos que dan paso a nuevos pensamientos y emociones.

La protagonista esta historia es Cleo, una mujer solitaria que vive en un oscuro departamento junto a su perra Esperanza y un pajarito enjaulado. De pronto, la rutina en la vida de Cleo se ve interrumpida bruscamente por una serie de encuentros, siempre inesperados, con personas que irán destruyendo su calmada y monótona existencia. 

Debido a que todo realmente le comienza a salir mal, Cleo comienza a buscar una explicación a tanta mala racha. Es el encuentro con un extraño sujeto en la calle que le comenta sobre un posible mal de ojo que la estaría afectando, ella se pone alerta para buscar una solución. Aquí es donde la superstición se mezcla con la paranoia. 

La película es entretenida, la idea es original y la forma como está narrada es bastante fluida. Es interesante acompañar a la protagonista en el recorrido que hace para buscar una solución al drama que la aqueja. Días de Cleo es una película cercana, llena de situaciones cotidianas con las cuales es imposible no sentirse identificados. La película tiene momentos muy graciosos y otros más intensos, los cuales se mezclan muy bien. Me pone muy contento ver buen cine chileno.
Cualquiera de nosotros podría ser Cleo. 

Por Gustavo Hernández

[Reseña cine] Mala junta: Cine chileno del bueno

El cine chileno suma esta semana una nueva película a nuestra cartelera, se trata de Mala Junta, de la joven realizadora Claudia Huaiquimilla. La película ya ha sido aplaudida y galardonada en numerosos festivales de cine, tanto en Chile como en el extranjero, destacando los premios obtenidos en: FIC Valdivia (Mejor película nacional), 29° Rencontres de Cine Latino Toulouse (Premio del público), Festival Internacional de Cine de Iquique (Mejor película), entre otros.

Tano (Andrew Bargsted), un adolescente de 16 años de la capital, es atrapado robando en una gasolinera y es enviado al sur de Chile al cuidado de su padre, a quien no ve hace años. Dando un paseo por el bosque conoce a Cheo (Eliseo Fernández), un tímido joven mapuche que sufre bullying en el colegio por ser indígena.

Esta película retrata el encuentro y el inicio de una amistad entre dos adolescentes, ambos provenientes de realidades distintas, complejas y violentas a su manera. Cada uno, con sus problemas particulares, logra ver en el otro a un aliado para poder enfrentar sus propias realidades. El escenario principal en donde ocurre esto, es el sur de Chile, con el conflicto mapuche de fondo.

La película es excelente, está muy bien contada y consigue transmitir las emociones que viven sus protagonistas. Es realmente interesante acompañar a estos jóvenes en su viaje por superar la adversidad. Además, es muy bueno que traten temas actuales como lo son: el bullying, el abandono, la delincuencia, el Sename (Servicio nacional del menores) y el conflicto mapuche. Esto lo hace más real y lo convierte en un buen material para conocer más sobre estos temas.

Los 90 minutos que dura la película se pasan muy rápido, la historia engancha desde el comienzo, nada los dejará indiferentes. Cabe destacar que las actuaciones de todo el elenco, compuesto por: Francisco Pérez-Bannen, Francisca Gavilán, Ariel Mateluna y los jóvenes Andrew Bargsted y Eliseo Fernández, están muy bien logradas. Mala Junta es una muy buena película chilena que podrán disfrutar en el cine a partir de este jueves 11 de mayo. ¡No se la pierdan!

Por Gustavo Hernández

[Reseña cine] Sin Norte: La otra faceta de Koke Santa Ana

Continuando con los variados estrenos nacionales que hemos tenido en las últimas semanas, ahora es el turno de Sin norte, película dirigida por Fernando Lavanderos y protagonizada por Koke Santa Ana, quien se hiciera conocido por ser el protagonista de las populares "42 frases típicas...", y Geraldine Neary. La película ha sido galardonada con varios premios, entre los que destacan los obtenidos en el Festival Internacional de Cine de Gramado en Brasil (Mejor director, mejor fotografía y mejor película extranjera). 

La película narra la historia de Esteban (Koke Santa Ana), un joven que se ha quedado con el corazón roto porque su novia lo dejó y se fue a recorrer sin rumbo el norte de Chile. Sin ganas de nada, Esteban pasa sus días pensando en lo desgraciado que se siente, hasta que se da cuenta que los videos y las fotos que su novia va tomando con el celular se sincronizan con su tablet, es aquí en donde ve una luz de esperanza y decide salir en su búsqueda siguiendo las pistas que va mirando en los videos.

La idea de la película me pareció interesante, el norte de nuestro país está muy bien retratado, los paisajes, y por sobre todo su gente. La película podría haber sido perfectamente un documental sobre lo desconocido, seco y hermoso que es el norte de Chile. Si bien la historia es simple, es imposible no estar expectante y emocionado por ir descubriendo a los atractivos personajes que Esteban va conociendo en cada  parada que hace buscando a su novia. Hubo un momento muy especial en el que me emocioné harto, fue con una anciana que cantaba la canción Libre de Paloma San Basilio.

Por otra parte, me sorprendió ver a Koke Santa Ana interpretando un rol distinto que no tiene que ver con la comedia, creo que con su carisma y personalidad consigue sostener su personaje durante toda la película.

El viaje que realiza el protagonista es increíble, los lugares que va conociendo, los personajes con los que se va encontrando en el camino son asombrosos. El director consiguió que este viaje en busca del amor parezca real, todo se ve orgánico y espontáneo. Cabe destacar que los únicos actores profesionales de la cinta son los protagonistas, el resto del elenco son personajes reales que se interpretan a si mismo y funcionan muy bien.

Podría decir que Sin norte es una especie de Ciudades de Papel hecha en Chile. La pueden ver en los principales cines de nuestro país a partir de este jueves 20 de abril. .

Por Gustavo Hernández

[Reseña cine] El Cordero: Suspenso a la chilena

El cine de suspenso, o thriller, ha sido uno de los géneros más explotados en la industria nacional en los últimos años —considerando aquellas obras que llegan a estrenarse comercialmente, claro— y quizá una de las razones que expliquen este fenómeno sea que dicho género llame más la atención del público chileno. “El Cordero” no es la excepción, y este jueves 30 de marzo llega a nuestras salas con la esperanza de no continuar la maldición de sus predecesoras, y conseguir estar más de dos semanas en cartelera.

El Cordero, dirigida por Juan Francisco Olea, nos cuenta la historia de Domingo (Daniel Muñoz) un padre de familia y devoto cristiano, que, al matar accidentalmente a una persona, da cuenta de su incapacidad para sentir culpa, lo que poco a poco lo llevará a tocar los límites de la psicopatía y lo hará enfrentarse a las repercusiones que tendrán sus acciones, tanto en su vida personal, como con aquellos que lo rodean. 

Dentro de lo que es el cine de suspenso, El Cordero logra plasmar lo más puro de este género en las escenas en que debía hacerlo. Un excelente manejo de la tensión en las escenas importantes, especialmente en las primeras, donde cuesta encontrar un respiro gracias al buen manejo de recursos por parte del director. En este sentido, la película no falla en usar los elementos clásicos del suspenso cinematográfico, como el uso de poca luz, los ritmos de escena más lentos previos al desenlace y la entrega de poca información al espectador. Otro punto a favor es el gran trabajo de su elenco principal. Por supuesto, Daniel Muñoz, como ya nos tiene acostumbrados, entregando una muy buena actuación que a su vez se apoya del muy buen trabajo de los demás miembros del reparto como Roberto Farías, Trinidad González, Julio Jung e Isidora Urrejola.

En lo que respecta a la historia, podría decir que El Cordero posee un guion muy funcional, al menos en los tres primeros cuartos de la película. La historia logra retratar una arista del Chile de clase media/baja más conservador y religioso de manera muy acertada y sin caer en prejuicios ni estereotipos. Además, es coherente en su desarrollo aún sin ahondar más allá de lo superficial en relación a las motivaciones que llevan al protagonista a tomar parte en sus acciones. Sin embargo, en los momentos cercanos al final de la película, se pierde esta coherencia que se venía manteniendo, dejándonos con escenas que parecen forzadas y carentes de la profundidad necesaria para justificarlas. Esto nos deja con una sensación final un poco amarga, por cuanto la película no logra transmitir ese impacto al que realmente apuntaba.

A pesar de todo esto, los dejo con este pensamiento final: El Cordero me pareció una apuesta muy arriesgada —y en el buen sentido—, pues gran parte de los riesgos que tomó dieron frutos, particularmente en el suspenso que logra generar y como además retrata el perfil de una persona que comienza a experimentar los primeros indicios de la psicopatía. Ya de por sí estos dos elementos son suficientes como para captar la atención del espectador. Es por eso que, en definitiva, El Cordero es una película que vale la pena ver en la pantalla grande.

 Por José A. Pino