[Cine] La película documental sobre Oasis, de Steven Knight, llegará este año a los cines y a disney+

Disney, magna studios y Sony Music Vision anunciaron una película documental sobre la legendaria banda británica Oasis. Presentada por Disney+, la película se estrenará en cines a partir de septiembre, antes de estar disponible exclusivamente en Disney+ a finales de este año. 

El documental sobre Oasis, aún sin título, ha sido creado por el guionista, productor y director Steven Knight (Peaky Blinders, Mil golpes), nominado a los premios BAFTA y a los Oscar®, y dirigido por Dylan Southern y Will Lovelace (LCD Soundsystem: Cállate y toca los éxitos, Nos vemos en el baño). 

Este largometraje documental narra la triunfal gira de reunión de Liam y Noel Gallagher, Oasis Live ’25, uno de los regresos al rock ‘n’ roll más esperados de nuestro tiempo. La película es un relato inspirador de lo que podría considerarse el mayor evento musical de 2025, que captura la experiencia y las emociones de la banda y sus fans en todo el mundo. Esta perspectiva única incluye acceso a los ensayos, al backstage y al escenario, así como las primeras entrevistas conjuntas de Noel y Liam en más de 25 años. Además de la gira mundial con entradas agotadas de la banda, la película también explora el profundo impacto emocional de este fenómeno cultural global y lo que su música significa para el público y las generaciones de todo el mundo. 

Steven Knight comentó: “Estoy deseando que el mundo vea esta película. Creo que capta el espíritu y la emoción de un momento cultural global y hace justicia al ingenio y al genio de dos personas excepcionales. Quería contar la historia de los hermanos y de la banda, pero, igual de importante, la historia de los fans cuyas vidas la música ha marcado y, a veces, cambiado para siempre. También es la historia de cómo la música y la composición pueden unir a generaciones, culturas y países y, en una época de rencor y división, darnos a todos un motivo para tener esperanza”. 

“Oportunidades como esta son increíblemente escasas”, afirmó Eric Schrier, presidente de Direct-to-Consumer International Originals, Strategic Programming y Emerging Media. “La película es una historia íntima sobre la reconciliación, el poder de la música y Oasis, uno de los grupos más exitosos e influyentes de todos los tiempos. Es un privilegio llevar esta extraordinaria película a la gran pantalla y a los suscriptores de Disney+ de todo el mundo”. 

Con un acceso sin precedentes y material inédito, la película es una producción de magna studios, presentada por Sony Music Vision en colaboración con Sony Music Entertainment UK. Los productores son Sam Bridger (Lewis Capaldi: Cómo me siento ahora, Nos vemos en el baño) y Guy Heeley (Peaky Blinders: El hombre inmortal). Entre los productores ejecutivos se encuentran Kate Shepherd, Marisa Clifford, Tom Mackay, Krista Wegener, Isabel Davis y Tim O’Shea, con los mezcladores de sonido ganadores de un Oscar® James Mather (Top Gun: Maverick, Belfast) y Tarn Willers (Zona de interés), junto con el director de fotografía Haris Zambarloukos (Belfast, Beetle Juice Beetle Juice) al frente del equipo técnico creativo. 

La película, presentada por Disney+, se estrenará en cines en septiembre, y se podrá disfrutar exclusivamente a en la plataforma a finales de este año.

[Música] Ciclo de boleros inunda de romanticismo el corazón de Santiago (GAM)

Con una mirada contemporánea, cercana y emotiva, el ciclo “Bolero Falaz” se impone como uno de los panoramas imperdibles para ponerle pasión y ritmo con cinco intérpretes: Claudio Constanzo, Carmen Prieto, Rosario Alfonso, Valentina Lambert y Cristóbal Briceño. El ciclo -cuyo nombre está inspirado en la canción del grupo Aterciopelados- propone redescubrir el bolero, corriente musical de letras sensibles y llenas de amor, con orígenes en Cuba y México fundamentalmente, y que cultivó con grandes exponentes como Lucho Gatica y Armando Manzanero. 

Producida por GAM bajo el alero del Colectivo Abejorros y la producción musical de la periodista Marisol García, esta cita llega para evidenciar que el bolero está más vivo que nunca gracias a una nueva generación de intérpretes. 

“Sentimos que el bolero sigue siendo un espacio profundamente vivo dentro de la música latinoamericana. Más allá de la nostalgia, es un género que habla de emociones universales como el amor, la pérdida, el deseo y la memoria, temas que siguen conectando con distintas generaciones”, cuentan desde la agrupación. 

La idea es ofrecer una visión fresca del estilo romántico que en 2023 fuera declarado Patrimonio Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO. “Crear un espacio que ponga en valor esa tradición, pero también mostrar cómo el bolero puede dialogar con artistas y sensibilidades contemporáneas, incluso desde escenas musicales que no necesariamente provienen del género”, explica el Colectivo Abejorros. 

El ciclo abrirá el 17 de mayo con Claudio Constanzo, reconocido cantor, arpista, guitarrista, investigador y difusor de la música tradicional chilena. Junto a una banda en vivo de lujo —con piano, contrabajo y percusiones— el artista hará un homenaje vibrante al legado de figuras como Vicente Bianchi y Clarita Solovera. 

El 24 de mayo se dará un encuentro inédito y poderoso con la unión de tres grandes mujeres: Carmen Prieto, Rosario Alfonso y Valentina Lambert. Las cantantes entrelazarán por primera vez sus voces femeninas para recorrer un repertorio latinoamericano esencial. Respaldadas por músicos de amplia experiencia, el trío cierra el ciclo celebrando la diversidad del género en una atmósfera que invita a la contemplación y al disfrute. 

El broche de oro será el 11 de julio con la esperada presentación de Cristóbal Briceño (ex Ases Falsos). El cantautor deja de lado su faceta más eléctrica para confirmar el valor de la canción popular. En una presentación íntima, Briceño se dará licencia para revisitar el género bajo su sello personal, adaptando su repertorio propio y sorprendiendo con nuevas lecturas del estilo romántico. El artista promete emocionar a sus seguidores más fieles y a los nuevos oyentes por igual. 

“La selección de artistas se hizo pensando en reunir distintas generaciones, trayectorias y aproximaciones al bolero, desde artistas con una larga historia dentro del género hasta músicos y músicas que vienen desde otros espacios sonoros, pero que logran apropiarse del bolero desde una sensibilidad muy personal”, dice el Colectivo Abejorros. 

“Bolero Falaz” llega como una invitación a vivir la música en un ambiente cercano, al atardecer, reafirmando la vitalidad de un género que sigue dialogando con nuevas generaciones de artistas y públicos.

17 y 24 May
Do— 18 h

11 Jul
Sa— 20 h

Entradas en gam.cl

[Teatro] San Ginés celebra la Semana del Teatro con entradas rebajadas en sus montajes más exitosos

En un momento donde las artes escénicas continúan consolidando su conexión con el público, Teatro San Ginés vive una de las etapas más activas de su cartelera, con una programación que reúne teatro contemporáneo, comedia y montajes de alta convocatoria. En ese contexto, la Semana del Teatro surge como una instancia para relevar el valor de los espacios culturales y el rol que cumplen las historias en vivo como punto de encuentro entre distintas generaciones y audiencias. 

Teatro San Ginés anunció una promoción especial para La Sociedad de los Poetas Muertos y Reunión de Apoderados, dos de los montajes más exitosos de su actual cartelera, ambas en sus últimas funciones. En el caso de La Sociedad de los Poetas Muertos, la obra ya ha convocado a más de 25.000 espectadores. Como parte de esta iniciativa, ambas producciones contarán con entradas a $6.000 más cargo por servicio para las funciones programadas entre el 14 y el 16 de mayo. 

La promoción estará disponible únicamente para compras realizadas este lunes 11 y martes 12 de mayo a través de Ticketmaster y contará con cupos limitados por función. 

A través de esta iniciativa, el espacio busca sumarse a la celebración nacional del teatro poniendo en valor la experiencia escénica como un lugar de encuentro, emoción y reflexión colectiva para compartir en familia o con amigos.

• La Sociedad de los Poetas Muertos — Funciones jueves 14, viernes 15 y sábado 16 de mayo a las 20:00 horas.

• Reunión de Apoderados - Sábado 16 de mayo a las 22:00 hrs

Detalles de la promoción

• Entradas desde $6.000 + cargo por servicio

• Valor final online: $6.720

• Compra válida solo el 11 y 12 de mayo

• Funciones válidas entre el 14 y el 16 de mayo

• Cupos limitados por función

• Venta exclusiva vía Ticketmaster

[Eventos] ¡Gratis! 14 y 15 mayo jornadas internacionales sobre cultura visual y sexualidad

Investigadores de Chile, Argentina y España debatirán en Santiago sobre pornografía, censura y nuevos imaginarios sexuales. Con actividades gratuitas para mayores de 18 años en la USACH y el Centro Cultural de España, especialistas en teoría de la imagen, género y cultura digital analizarán cómo la pornografía influye hoy en la construcción de imaginarios, normas y representaciones sobre la sexualidad contemporánea. 

La pornografía dejó hace tiempo de ser un fenómeno marginal. Su presencia masiva en internet, redes y plataformas digitales la ha convertido en un campo central para discutir cultura visual, regulación, sexualidad y políticas de representación. Bajo esa premisa se desarrollarán en Santiago las Jornadas de Reflexión en torno a Pornografía y Estudios de la Imagen, encuentro que reunirá a investigadores de Chile, Argentina y España en dos actividades abiertas al público mayor de 18 años. 

El ciclo comenzará el jueves 14 de mayo, entre 11 y 13 horas, en el Zócalo de la Escuela de Psicología de la USACH, con la conferencia En las ruinas del porno: regulación y tensiones contemporáneas en Chile y Argentina, a cargo del investigador Nicola Ríos y la académica argentina Laura Milano, con moderación de la investigadora Valeria Radrigán. 

La actividad propone revisar las actuales políticas de regulación de la pornografía desde una perspectiva situada en el sur global, poniendo énfasis en los sistemas de calificación cinematográfica de Chile y Argentina. A partir de ello, los expositores abordarán el concepto de “ruinas regulatorias”, entendido como la persistencia de mecanismos heredados de contextos históricos represivos que siguen condicionando debates sobre censura, libertad de expresión y protección de audiencias. 

“Las imágenes explícitas son hoy masivas y predominantes en los nuevos medios, pero seguimos enfrentando dificultades para hablar críticamente de ellas. Existe una contradicción importante entre el rol que tienen en la construcción de imaginarios sexuales y las estructuras morales que continúan operando sobre su circulación”, explica la doctora Valeria Radrigán, investigadora responsable de las jornadas. 

El segundo encuentro se realizará el viernes 15 de mayo, entre 18.30 y 20 horas, en el Teatro del Centro Cultural de España, bajo el título Pensar el porno: monstruosidad y neomitologías. El conversatorio reunirá nuevamente a Radrigán y Nicola Ríos junto a Laura Milano y Silvan Troncoso, quienes discutirán las formas en que la pornografía participa en la construcción contemporánea de la mirada y la sexualidad. 

La conversación se articulará en torno a dos ejes: la aparición de nuevas “verdades” sobre el sexo —definidas como neomitologías— y las representaciones de corporalidades que escapan a los procesos de normalización, entendidas como “monstruosidades”. Desde ahí, el encuentro busca abrir una reflexión sobre cómo la cultura digital modela hoy los imaginarios sexuales. 

“Uno de los hallazgos más relevantes ha sido observar cómo se construyen ciertos mitos no sólo sobre la sexualidad, sino también sobre la propia pornografía como género. Existe la idea de que el porno tiende a estandarizar cuerpos y prácticas, pero al mismo tiempo vemos un fuerte interés por aquello que se aleja de la norma y que socialmente suele definirse como transgresor o monstruoso”, añade Radrigán. 

Las jornadas forman parte de instancias de cooperación internacional vinculadas a proyectos de investigación financiados por ANID-Fondecyt y Fondart, y contarán con la participación de especialistas en estudios de género, sexualidad y cultura visual. 

 Nicola Ríos es investigador y curador de cine independiente especializado en educación sexual y políticas culturales. Laura Milano, doctora en Ciencias Sociales por la Universidad de Buenos Aires, es una de las principales investigadoras latinoamericanas en estudios sobre pospornografía, feminismos y sexualidades. Por su parte, Valeria Radrigán dirige actualmente el proyecto de investigación Pornociencia, centrado en las relaciones entre pornografía, medicina y dispositivos de visibilidad en la cultura contemporánea. Silvan Troncoso es activista y asistente de investigación de este último proyecto. Las actividades incluirán además un espacio de conversación con el público, vino de honor y entrega de material editorial.  

www.tecnosexualidades.cl 

Instagram: @tecnosexualidades

COORDENADAS

En las ruinas del porno: regulación y tensiones contemporáneas en Chile y Argentina

Exponen: Nicola Ríos (ES/CL) y Laura Milano (ARG)
Modera: Valeria Radrigán (CL)

Jueves 14 de mayo, 11 a 13 h
Entrada gratuita, por orden de llegada, para mayores de 18 años

Zócalo Escuela de Psicología USACH
Av. Víctor Jara 3650, Estación Central

Pensar el porno: monstruosidad y neomitologías

Participan: Valeria Radrigán, Silvan Troncoso, Laura Milano y Nicola Ríos

Viernes 15 de mayo, 18.30 a 20 h
Entrada gratuita, por orden de llegada, para mayores de 18 años

Teatro Centro Cultural de España
Av. Providencia 927, Providencia

[Teatro] “Los puentes de Madison” llega a Teatro Mori: un cruce entre cine y teatro para una historia de amor inolvidable

Dirigida por Aranzazú Yankovic y protagonizada por Blanca Lewin y César Caillet, la emblemática novela de Robert James Waller llega por primera vez a la escena nacional en una versión que cruza lenguajes y sensibilidades. 

Desde el 7 de mayo al 28 de junio, Mori Parque Arauco estrena “Los puentes de Madison”, con funciones de jueves a sábado a las 20:00 horas. El montaje, parte de la programación 2026 bajo el lema “Puentes que transforman”, propone un cruce entre cine y teatro para revisitar una de las historias de amor más conmovedoras de la cultura contemporánea. 

Convertida en un fenómeno literario en los años noventa y llevada al cine en una recordada adaptación protagonizada por Meryl Streep y Clint Eastwood, “Los puentes de Madison” llega por primera vez al teatro chileno de la mano de MST Teatro. Basada en la novela homónima de Robert James Waller y adaptada por Fernando Masllorens y Federico González del Pino, la obra instala en escena una historia atravesada por el deseo, la memoria y las decisiones que marcan una vida. 

La trama sigue el encuentro entre Francesca Johnson, una mujer que lleva una vida aparentemente resuelta en una granja de Iowa (Estados Unidos), y Robert Kincaid, fotógrafo de National Geographic que llega al condado de Madison para retratar sus icónicos puentes cubiertos. En el transcurso de cuatro días, ambos viven un romance que desestabiliza certezas y abre una pregunta profunda sobre el amor, la renuncia y el sentido de la libertad. 

La dirección de Aranzazú Yankovic propone una puesta en escena íntima y despojada, centrada en la densidad emocional de los personajes y en la tensión entre lo que se elige vivir y aquello que se decide dejar atrás. “Esta obra es una meditación sobre lo que elegimos guardar y lo que elegimos soltar. Queremos que el público se permita sentir sin pudor, que se reconozca en esa encrucijada universal que es el amor y el deber”, señala la directora. 

El montaje es protagonizado por Blanca Lewin, quien interpreta a Francesca, y César Caillet en el rol de Robert Kincaid, acompañados por Yosune González y Felipe Valenzuela. Sobre su personaje, Lewin comenta: “Francesca es una mujer que carga en silencio una vida entera. Encontrarme con ella fue encontrarme con preguntas que todas y todos tenemos, pero pocas veces nos atrevemos a pronunciar en voz alta”. 

En el marco de la programación 2026 de Teatro Mori, este estreno se posiciona como uno de sus principales hitos, al proponer un cruce entre lenguajes que trae de vuelta al público una historia profundamente arraigada en la memoria colectiva. 

Para más información y venta de entradas, el público puede visitar teatromori.com, donde también se encuentran disponibles descuentos para afiliados a Caja Los Andes, clientes de Banco Itaú, socios de Claro Club y beneficiarios de LT Beneficios.

LOS PUENTES DE MADISON

Fecha: Del 7 de mayo al 27 de junio

Horario: De jueves a sábado, a las 20.00 hrs

Lugar: Mori Parque Arauco (Av. Presidente Kennedy 5413, Las Condes)

Duración: 90 minutos

Edad recomendada: +13 años

Ficha artística: Basada en la novela de: Robert James Waller | Adaptación al teatro: Fernando Masllorens y Federico González del Pino | Dirección: Aranzazú Yankovic | Elenco: Blanca Lewin, César Caillet, Yosune González y Felipe Valenzuela | Compañía: MST Teatro | Técnica: Gabriel Pozo | Comunicaciones: Voorus. 

[Cine] Las 8 claves de Exit 8: Cómo Genki Kawamura convirtió un videojuego viral en un thriller psicológico

El cineasta japonés Genki Kawamura, reconocido por producir éxitos como Your Name y Belle, debuta en la cartelera nacional con su más reciente obra como director: Exit 8. Este thriller de suspenso psicológico se estrena en los cines de Chile este jueves 7 de mayo. 

Basada en el videojuego de culto que paralizó internet, la película trasciende la premisa original para ofrecer una profunda exploración sobre la psique humana y las responsabilidades de la vida adulta.

Protagonizada por la estrella japonesa Kazunari Ninomiya, la cinta lleva el concepto de los "espacios liminales" a un nuevo nivel narrativo, convirtiendo un pasillo de metro infinito en una metáfora del crecimiento personal.

A continuación, se presentan las 8 claves que definen esta adaptación: 

1. La Paternidad como Motor Narrativo
A diferencia del videojuego original, que carecía de trama, la película introduce una carga emocional crítica. El protagonista descubre que su exnovia está embarazada justo antes de quedar atrapado.
El bucle se convierte en una manifestación física de su miedo a la responsabilidad.
  
2. Respeto a la "Regla de Oro"
Kawamura mantiene la mecánica esencial del juego: si hay una anomalía, hay que dar la vuelta; si no, hay que avanzar. Ignorar un solo detalle devuelve al protagonista al "Nivel 0", generando una tensión constante basada en la observación.
 
3. El Terror de los Espacios Liminales
La película explora la inquietud de los lugares de tránsito vacíos. El diseño visual transforma pasillos de metro familiares en entornos amenazadores, donde la normalidad se siente extraña y peligrosa.
 
4. El Simbolismo del "Hombre que Camina"
El icónico personaje no jugable (NPC) del juego adquiere un rol central. Representa el destino de aquellos que huyen de sus responsabilidades, quedando atrapados para siempre en una rutina sin salida.
 
5. Suspenso Atmosférico vs. Jump Scares
Evitando los sustos fáciles, la cinta apuesta por el thriller psicológico. La paranoia se traslada al espectador, quien termina analizando cada cartel y azulejo de la pantalla junto al protagonista para detectar cambios.
 
6. El Bucle como Purgatorio Moderno
La narrativa eleva el pasillo a un plano metafísico. No es solo un reto de supervivencia, sino un examen psicológico donde el personaje debe confrontar su pasado y sus culpas para poder escapar.
 
7. La Visión de Genki Kawamura
El director aporta su experiencia en éxitos emocionales para dotar de humanidad a una premisa minimalista. Este enfoque de cine de autor ha llevado a la película a destacar en circuitos internacionales como el Festival de Cannes.
 
8. Una Experiencia Inmersiva
La película alinea las habilidades de observación del público con las del personaje. Al sentir la frustración y el cansancio del bucle, la frontera entre el cine y el lenguaje del videojuego se difumina por completo.

 
Con banda sonora de Yasutaka Nakata (creador de Perfume y Kyary Pamyu Pamyu) y Shohei Amimori, "Exit 8" es una experiencia sensorial completa. Kawamura no solo adapta un juego: convierte la ansiedad de la generación moderna —la incertidumbre, la procrastinación, el miedo al compromiso— en arte.

[Teatro] Ocaso Teatro en Sidarte: Premiada compañía de teatro popular chileno inicia retrospectiva

Con más de 14 años de trayectoria y miras al debut de su nueva obra, Matar al carnicero (noviembre 2026); Ocaso Teatro comienza la reposición de tres representativos montajes de su aplaudido trabajo. El lanzamiento será este miércoles 6 de mayo en Teatro Sidarte con el regreso de su exitosa comedia social sobre corrupción y crisis hospitalaria, La Pichanga (6-9 mayo), para seguir con Chilenito (1-4 julio) y Corazón de chocolate (19-22 agosto). 

Consolidados ya en el teatro musical y familiar criollo –a través de títulos como El mote con huesillos, Los buscatesoros y Chile, memoria y presente –, por medio de esta retrospectiva y su próximo estreno, la agrupación liderada por el dramaturgo David Gajardo y el director Rodrigo Aro, busca potenciar esta línea creativa, manteniendo siempre su característico lenguaje que integra lo popular y contemporáneo con música en vivo, humor y reflexión. 

Con el reestreno de La Pichanga, este miércoles 6 de mayo a las 19.30 h en la Sala María Elena Duvauchelle de Teatro Sidarte, se lanza la Retrospectiva Ocaso Teatro, que volverá a poner en escena tres de los montajes más representativos de su aplaudido trabajo con temática social: La Pichanga (6-9 mayo), Chilenito (1-4 julio) y Corazón de chocolate (19-22 agosto), como antesala del gran debut de su nueva creación, Matar al carnicero (noviembre 2026). 

“Nace de una necesidad de mostrar nuestro trabajo y, al mismo tiempo, ver la evolución que ha tenido en todos estos años. Siempre con un mismo sello, una estética propia que tiene que ver con la dirección, la música en vivo y una dramaturgia que habla de códigos populares que están muy presentes en la identidad chilena”, explica David Gajardo Gumera, dramaturgo de Ocaso Teatro. 

Consolidados ya en el teatro musical y familiar criollo –a través de títulos como El mote con huesillos, Los buscatesoros y Chile, memoria y presente –, por medio de esta retrospectiva y su próximo estreno, la agrupación recorrerá su desarrollo artístico y temático, desde el descontento social y político, pasando por la migración y la identidad, hasta el cuestionamiento de las condiciones laborales en Chile. 

“Se instala como un archivo vivo de la última década en Chile. No se trata de una simple revisión cronológica, sino más bien de un mapa de conflictos que despliega preguntas bien directas: como qué cuerpos son escuchados, cómo se construye la identidad en medio del desplazamiento, qué memorias decide olvidar la sociedad. Al reunir estos hitos, el pasado reciente de alguna manera empieza a dialogar con las urgencias del presente”, agrega Rodrigo Aro, director de Ocaso Teatro. 

Todo inicia con La Pichanga (2016), una delirante y ácida comedia política donde un grupo de pacientes de un hospital público decide secuestrar a la Selección Chilena de Fútbol para exigir justicia, proponiendo un partido simbólico contra el Parlamento. Inspirada en hechos reales, marcada por el humor y la música en vivo, instala una crítica directa al sistema público y la clase política. 

Continúa con Chilenito (2017), montaje ganador del Premio Clap Atrápalo a Mejor Comedia, que aborda la migración desde una perspectiva íntima y profundamente humana. La historia sigue a un joven chileno con dificultades de aprendizaje que viaja al extranjero en busca de oportunidades, enfrentándose a la discriminación, el desarraigo y la búsqueda de identidad. Se consolida como un himno a la diferencia y a quienes no encajan en las estructuras tradicionales. 

La tercera obra es Corazón de Chocolate. Crónica de un dulce suicidio (2020), una propuesta oscura y provocadora inspirada en un caso real ocurrido en una fábrica chilena de golosinas. A través del humor negro y una puesta en escena cargada de simbolismo, aborda el acoso laboral y la deshumanización del trabajo, revelando las tensiones y violencias invisibilizadas en el mundo laboral contemporáneo. 

UNA COMPAÑÍA CON IDENTIDAD 

Fundada en 2012, Ocaso Teatro se ha caracterizado por desarrollar un teatro de autoría propia, con un fuerte compromiso social y una poética que mezcla lo popular con lo contemporáneo. Sus montajes integran música en vivo, humor, crítica social y dispositivos escénicos diversos, generando una conexión directa con el público. 

A lo largo de su trayectoria, ha logrado convocar a miles de espectadores, posicionándose como una voz relevante dentro del teatro chileno independiente, abordando temáticas urgentes como la desigualdad, la inclusión, la migración y los abusos estructurales. Esta retrospectiva no solo revisita sus obras más significativas, sino que también permite observar la evolución de su lenguaje escénico y su mirada sobre el país. 

www.ocasoteatro.cl

COORDENADAS PICHANGA
6 al 9 de mayo
miércoles a sábado, 19.30 h
Duración 70 min
Recomendada para T.E. +12 años
Sistema Paga lo que puedes: $8.000, $6.000, $4.000 / miércoles popular: $3.000
Sala María Elena Duvauchelle, Teatro Sidarte
Ernesto Pinto Lagarrigue 131, Barrio Bellavista; Recoleta
https://ticketplus.cl/events/la-pichanga-ocaso-teatro

[Teatro] Donde viven los bárbaros en Teatro Finis Terrae con Gabriel Cañas y Gabriel Urzúa vuelve la obra que consagró BONOBO

Escrita por Pablo Manzi y codirigida por él junto a Andreina Olivari, la premiada puesta celebra sus 10 años con una nueva temporada entre el 7 y 24 de mayo. Paulina Giglio, Carlos Donoso y Guilherme Sepúlveda completan el elenco del montaje fundacional de la compañía Bonobo que, tras presentarse en países como Japón, Holanda, Alemania, Bélgica, España, Italia, Suecia, Estados Unidos, Brasil, Perú, México, Uruguay y Puerto Rico, además de recorrer Chile, se consolida como una de las más reconocidas en la escena actual. 

©Daniel Corvillón

Tras cumplir una década del estreno de Donde viven los bárbaros, la compañía Bonobo presenta su nueva temporada, a partir del próximo jueves 7 de mayo, esta vez como parte de la programación 2026 de Teatro Finis Terrae. Reflexionando sobre las formas de violencia y discriminación ejercidas en contextos democráticos, la premiada obra –escrita por Pablo Manzi y codirigida por él, junto a Andreina Olivari–, cuenta con las actuaciones de Gabriel Cañas, Gabriel Urzúa, Paulina Giglio, Carlos Donoso y Guilherme Sepúlveda. 

El relato comienza con la reunión de tres primos luego de muchos años sin verse. Una velada que prometía ser tranquila, pero cuando se enteran que uno de ellos se ha visto involucrado en un extraño homicidio, se desencadena la violencia entre los invitados; situación que empeora con la irrupción de ciertos personajes que agudizan los conflictos e ideas que cada uno ha construido sobre el otro: sobre el enemigo. “Hace 10 años, teníamos en la cabeza la idea de hacer una obra que hablara sobre el miedo, la paranoia, la imaginación delirante que aparece ante las personas que son consideradas bárbaras, diferentes, extrañas y de cómo, muchas veces, podemos sustentar nuestra propia violencia y la del lugar donde vivimos, a raíz de estos miedos. Creemos que a muchas personas les puede resonar en la actualidad”, explica su autor y codirector. 

Con humor ácido y un lenguaje que raya en lo incómodo y absurdo, Donde viven los bárbaros, ha sido premiada por su dramaturgia (Círculo de Críticos de Arte de Chile, 2015; Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, 2016; Ilustre Municipalidad de Santiago, 2016) y elegida, en su momento, como la mejor obra en el VI Festival Teatro Joven de las Condes. Primera parte de la Trilogía sobre la barbarie –que completan Tú amarás y Temis–, a través de ella, la compañía busca problematizar la promesa de las democracias liberales poniendo en discusión temas como la violencia, la inclusión y la discriminación, cimentada en la polis griega y la relación ciudadanos- bárbaros. 

En 15 años de trayectoria, Bonobo ha consolidado un trabajo basado en la creación colectiva, extensos procesos de investigación y exploración temática, lo que le ha significado numerosos galardones y giras por Chile y el mundo; presentándose en países como Japón, Holanda, Alemania, Bélgica, España, Italia, Suecia, Estados Unidos, Brasil, Perú, México, Uruguay y Puerto Rico. 

www.teatrofinisterrae.cl

COORDENADAS DONDE VIVEN LOS BÁRBAROS
Del 7 al 24 de mayo
*esta obra no tendrá función el sábado 16 de mayo.
jueves y viernes, 20.30 h; sábados y domingos, 19 h
Duración: 85 min
Recomendada para T.E + 14 años
$15.000- Gral. / $11.500, Domingo Dúo / $9.000, personas mayores/ $7.500, estudiantes y Súper Jueves
Teatro Finis Terrae
Av. Pocuro 1935, Providencia.
https://teatrofinisterrae.cl/evento/donde-viven-los-barbaros/

[Cine] Femcine 16 abrirá con la premiada "La voz de Hind Rajab", película que transforma una tragedia en un poderoso acto de memoria

El 16° Festival Cine de Mujeres, FEMCINE, anuncia que la película inaugural de su próxima edición será “La voz de Hind Rajab”, de la cineasta tunecina Kaouther Ben Hania, una obra profundamente conmovedora que propone una experiencia cinematográfica centrada en la escucha, la memoria y la resistencia. 

El certamen se desarrollará entre el 5 y el 10 de mayo en Santiago, consolidándose como uno de los principales espacios de reflexión en torno al cine realizado por mujeres en América Latina. 

Cine urgente, memoria y mirada femenina 

Inspirada en un hecho real ocurrido en enero de 2024, la película reconstruye las últimas horas de Hind Rajab, una niña palestina de cinco años que, tras un ataque armado al vehículo en el que viajaba con su familia, logra comunicarse telefónicamente con personal de la Media Luna Roja Palestina mientras espera ser rescatada. 

Lejos de optar por la representación explícita de la violencia, Kaouther Ben Hania construye el relato a partir del sonido y la palabra. La historia se articula en torno a las conversaciones telefónicas sostenidas con la niña, recreadas desde un centro de operaciones donde trabajadores humanitarios intentan contenerla, orientarla y coordinar su rescate. 

Este enfoque sitúa la voz —frágil, lúcida, profundamente humana— como eje central de una narración que interpela desde lo íntimo y lo político, evitando el espectáculo para abrir un espacio de escucha activa. 

Nominada al Oscar y estrenada internacionalmente en el Festival Internacional de Cine de Venecia, donde obtuvo el León de Plata – Gran Premio del Jurado, la película ha sido ampliamente reconocida por su propuesta formal y su capacidad de abordar un conflicto contemporáneo desde una perspectiva ética y profundamente sensible. 

La elección de “La voz de Hind Rajab” como película inaugural dialoga directamente con el espíritu de FEMCINE: un cine que no solo visibiliza las voces de sus creadoras, sino que también pone en el centro historias que interpelan, incomodan y movilizan, reafirmando el poder del cine como herramienta de memoria y reflexión.

[Series] Boston Blue, llega a Chile el jueves 30 de abril por Universal +

Boston Blue, el drama de los creadores Brandon Sonnier (The Blacklist) y Brandon Margolis (S.W.A.T.), es la esperada expansión del universo de Blue Bloods. Con estreno programado en UNIVERSAL+ este 30 de abril, la nueva serie ofrece casos de alto riesgo y acción ininterrumpida para los verdaderos amantes de la adrenalina.

Esta nueva serie marca el regreso a la pantalla de Danny Reagan (interpretado por Donnie Wahlberg, quien también se desempeña como productor ejecutivo), el querido detective presentado en Blue Bloods (cuyas 14 temporadas están disponibles en UNIVERSAL+), quien ahora lidera Boston Blue con su característica determinación intrépida.

La serie, que ya fue renovada para una segunda temporada, comienza con un gran punto de inflexión para Danny Reagan, anteriormente detective del Departamento de Policía de Nueva York. En este nuevo capítulo, decide aceptar un puesto en el Departamento de Policía de Boston después de que su hijo Sean (Mika Amonsen, Thanksgiving) se ve involucrado en una situación difícil que le cambia la vida.

Para resolver los casos que se le presentan, Danny se une a la detective del Departamento de Policía de Boston, Lena Silver (Sonequa Martin-Green, Star Trek: Discovery, The Walking Dead), la hija mayor de una destacada familia de las fuerzas del orden. La familia Silver está compuesta por la fiscal del distrito de Boston Mae Silver (Gloria Reuben), la detective Lena Silver, la superintendente de policía Sarah Silver (Maggie Lawson), el policía novato Jonah Silver (Marcus Scribner) y el reconocido pastor baptista, el reverendo Edwin Peters (Ernie Hudson). Mientras Reagan se adapta a su nueva ciudad, también espera reconectar con su hijo menor, Sean (Mika Amonsen), quien está comenzando su propia carrera en Boston.

De esta manera, Boston Blue muestra cómo profesionales de diversos orígenes y creencias se unen en una misión compartida: erradicar el crimen. Heredando el legado de Blue Bloods, esta serie ofrece una atractiva combinación de personajes ricos, dinámicas familiares tensas y el ritmo adictivo del formato procedimental de caso por episodio que tanto aman los fans del género.

CONOCE A DANNY REAGAN: EL PERSONAJE QUE MARCÓ A BLUE BLOODS REGRESA CON SU PROPIA SERIE

En Boston Blue, vemos al personaje —interpretado por el carismático Donnie Wahlberg— enfrentar el desafío de cambiar tanto de ciudad como de trabajo. Su labor como detective queda en pausa, al igual que su vida en Nueva York.

Una vez que se traslada a Boston, las cosas no serán sencillas. Reagan, conocido por moldear las reglas a su conveniencia para resolver casos, se incorpora al Departamento de Policía de Boston y ahora, debe equilibrar sus métodos poco convencionales dentro de un equipo y un entorno que le resultan desconocidos. Danny es altamente eficiente gracias a su enfoque “a la vieja escuela”, increíblemente protector con sus seres queridos y ampliamente reconocido por su lealtad inquebrantable.

Donnie Wahlberg contó a Boston Magazine que la serie surgió de su idea de continuar la historia de Danny Reagan como si fuera “un pez fuera del agua”, un concepto que se vuelve central en la primera temporada.

LA FAMILIA REAGAN REGRESA MÁS FUERTE QUE NUNCA EN UN CRUCE MUY ESPERADO

Los fans de Blue Bloods se emocionarán al reencontrarse con más de una cara conocida en Boston Blue. La serie cuenta con Erin Reagan (Bridget Moynahan, Sex and the City), la hermana de Danny y fiscal adjunta en Nueva York, así como con Maria Baez (Marisa Ramirez, Supernatural), la colega y pareja romántica del protagonista, quien reaparece en los momentos más inesperados.

Ramirez, quien formó una sólida dupla en pantalla con Wahlberg en Blue Bloods, contó a Infobae qué es lo que hace tan atractivo a este universo televisivo: “Es la combinación perfecta entre un drama familiar y una serie policial procedimental. Realmente es una serie inspiradora de ver, porque siento que la familia consiste en animar a las personas a ser amables, buenas y cálidas”.

Boston Blue es protagonizada por Donnie Wahlberg (El sexto sentido), Sonequa Martin-Green (Star Trek: Discovery, The Walking Dead), Ernie Hudson (Miss Simpatía), Maggie Lawson (Psych), Gloria Reuben (ER), Marcus Scribner (black-ish) y Mika Amonsen (Thanksgiving). La serie es distribuida por Paramount Global Content Distribution y producida por CBS Studios.

Para familiarizarte con la historia de Danny Reagan, las 14 temporadas de Blue Bloods, la serie donde nació el personaje, están disponibles en UNIVERSAL+.

No te pierdas el estreno de la primera temporada de Boston Blue este 30 de abril a través de UNIVERSAL+.