[Cine] “Caminemos Valentina”: se estrena co-producción chileno-argentina que une los talentos de Silvio Caiozzi y Alberto Lecchi en torno al abuso de poder

Una verdadera suma de talentos chilenos y argentinos traerá “Caminemos Valentina”, película que llegará a salas chilenas este jueves 9 de mayo. Por un lado, es dirigida por el argentino Alberto Lecchi, responsable de títulos como “Nueces para el amor” y “El juego de Arcibel”. Por otro, cuenta con trabajos en producción de los chilenos Edgardo Viereck (“Gente decente”) y Silvio Caiozzi (“Julio comienza en julio”, “Coronación”), quien también se hace cargo del montaje. Por su parte, la hija del aclamado director, la destacada compositora Valentina Caiozzi, (Premio Pulsar 2019) firma la banda sonora original del filme. 

Con un elenco también transcordillerano que incluye a la argentina Paula Sartor y a la chilena Roxana Naranjo, la película se basa en el libro autobiográfico de Sandra Migliore “Raza de víboras, memorias de una novicia”, que narra en primera persona los abusos que ella y una compañera sufrieron a manos de una monja de la Congregación Educacionistas Franciscanas de Cristo Rey durante su estancia en un convento. La película cuenta cómo estas dos novicias –Valentina y Sandra– encuentran fuerza para superar las secuelas del abuso de poder al que fueron sometidas. 

“Caminemos Valentina” es un logrado e intenso relato que combina el drama y la denuncia, potenciado por magníficas actuaciones. 

Alberto Lecchi: “No es una película en contra de la Iglesia sino en contra la hipocresía de algunos personajes de la Iglesia” 

“Cuando recibí el libro sentí que era una historia que se tenía que conocer, que no podía quedar en el anonimato. Cuando me reuní con Sandra por primera vez, y al lado estaba Valentina, entendí que lo más importante del pasado tortuoso que había tenido es que había una historia de amor inmensa que también tenía que ser contada”, destaca el director Alberto Lecchi. “El público se va a encontrar con la historia de dos mujeres que sufrieron tanto siendo adolescentes que las podría haber perturbado para siempre y que pelearon a través del tiempo para que se sepa la verdad. Perdieron el miedo y convirtieron esa historia tan terrible en una gran historia de amor”. 

El realizador agrega: “Creo que si la Iglesia misma denunciara estos abusos haría que muchos que la dejaron volverían a ella”. 

Silvio Caiozzi: “Es una de esas de esas películas que quedan en la memoria” 

Edgardo Viereck, quien oficia como productor ejecutivo, resalta la importancia de la alianza entre países vecinos. “Ayuda a potenciar la coproducción entre Chile y Argentina, con un tema que es común a ambos territorios porque es universal. El gran tema aquí es el abuso de poder, que se refleja en la jerarquía eclesiástica pero que hoy en día es muy visible en todos los espacios sociales y de convivencia. Esta es una historia real y es el primer caso que llega al Vaticano protagonizado por monjas y novicias, es decir por mujeres. Como coproducción internacional es una experiencia poder abordar temáticas tan trascendentes como el abuso de poder”. 

Silvio Caiozzi, por su parte, cuenta qué lo motivó a involucrarse en el proyecto. “Me interesó participar por su tema. El abuso está en todas mis películas, es un tema que me ha dado vuelta siempre. En este caso, es abuso de poder escondiéndose detrás de la imagen de Dios, el ser supremo. Dentro de este lugar se enseña lo bueno de la religión, el ideal, el respeto. El problema es que una de las que enseñan es una abusadora que, usando la bandera de Dios, se siente en el derecho de hacer todo lo quiera con estas jovencitas. La película está muy bien lograda, muy bien hecha. Hay que verla no sólo porque es buena sino también porque tiene un tema enorme e importante”. 

La colaboración entre el director y Lecchi no es nueva. A través de su productora Zarlek, el cineasta argentino y Luis Sartor fueron productores minoritarios de “Cachimba”. “Gracias a ellos pudimos hacer la película y fue una relación muy buena”, recuerda Caiozzi. “Ahora, sin pensarlo ni un instante, optamos por participar como coproductores”. 

Una novedad es que Caiozzi nunca había hecho montaje para otro director. “Fue una experiencia fenomenal”, celebra. “Al principio tenía un poquito de susto pero Alberto realmente estuvo siempre totalmente de acuerdo cada vez que yo le mandaba escenas compaginadas. Así que no hubo ni el más mínimo problema y eso para mí fue fantástico”. 

El director chileno agrega: “Considerando el tema, creo que Alberto fue muy brillante en mantener siempre un tono elegante, cuidadoso y respetuoso, y en el montaje eso es lo que yo siempre tuve como misión. Esta es una película que, por los aplausos de las funciones en Argentina, puedo decir que genera impacto. Es una de esas películas que quedan en la memoria. Remece internamente sin ser melodramática”. 

INFORMACIÓN DE CARTELERA 

Película Caminemos Valentina 

Estreno en Chile: 9 de mayo Santiago, Viña del Mar y Concepción. 

Distribuye ArcadiaFilms 

SINOPSIS 

Dos ex novicias que sufrieron abusos por parte de su Maestra durante su estancia en un convento logran convertir el dolor encuentran fuerza para superar las secuelas del abuso de poder al que fueron sometidas, en el amor compartido y su unión matrimonial.

[Reseña cine] Van Gogh en la puerta de la Eternidad: Un retrato surreal

Vincent Van Gogh fue y será uno de los pintores más talentosos y enigmáticos en la historia del arte. En su vida solo vendió un cuadro y constantemente visitaba psiquiatras que después pintaba. El gran amor que tenía por su hermano ha sido clave en cómo entender al holandés. Si el año 2017 se estrenó Loving Vincent y nos encantó, esta vez bajo la dirección de Julian Schnabel (La Escafandra y la Mariposa) tenemos a Willem Dafoe bajo la piel del autor de Los girasoles.

Al momento de comenzar la película, es Vincent quien habla para sí mismo. Diálogos que reflejan la soledad y el sentirse marginado de la sociedad. No es difícil empatizar desde la primera línea, a lo largo de la cinta habrá más monólogos cortos que irán marcando los cambios que sufre el artista.

Willem Dafoe desprende un arrojo y talento innato, tan conmovedor como dramático. La forma en que interpreta a Van Gogh permite entender cómo fue incomprendido y ridiculizado. Las preguntas que le hace Paul Gauguin (personificado por un sobrio Oscar Isaac), son las mismas que se ha hecho el mundo tras su muerte. Dafoe es visceral, su compleja representación se encandila con cada encuentro con la naturaleza y con cada conflicto humano.

El uso de cámara en mano y cambios de tono en posproducción, hacen entrever un viaje invasivo a la mente del pintor. Lo brusco e incómodo que pueda llegar a ser, solo nos acerca un poco al contraste del neerlandés; caos y maravilla. Sin uno, no existe el otro. Como la forma en que pintaba, cada pincelada era golpe de su genio, aunque por fuera se viese desquiciado.

Van Gogh en la puerta de la eternidad consigue imaginar cómo él habría visto el mundo cuando se encontraba vivo. No es posible quitar el halo permanente de desconsuelo, es una sensación inmersa en Dafoe, que aún después de terminar el filme, la impresión se mantiene. Así como existen obras que dejan a uno saliendo con alegría de la sala del cine, esta pieza causa un efecto diferente, es más bien un sentimiento de impotencia y pérdida.

Por Constanza Lobos

[Concurso Todos al cine] Van Gogh en la puerta de la eternidad / Terminado

El próximo jueves 24 de enero llega a nuestros cines favoritos la película Van Gogh en la puerta de la eternidad. La cinta está dirigida Julián Schnabel y protagonizada por Willem Dafoe, Oscar Isaac, Rupert Friend y Mads Mikkelsen... ¡No se la pierdan! Para celebrarlo les traemos un espectacular concurso para ganar invitaciones para verla. Participar es muy fácil, solamente deben completar el formulario adjunto y ser seguidores de nuestras redes sociales.

Los requisitos para participar son: 

1) Pinchar "me gusta" en las fan page Hojas Mágicas y Diamond films Chile.
2) Completar el formulario.
3) Vivir en la Región Metropolitana.

El concurso comienza hoy y finaliza el jueves 24 de enero. Los ganadores serán informados en nuestra página de Facebook. A continuación les presentamos la sinopsis oficial, el afiche de la película y el entretenido trailer.

Sinopsis

Basada en los relatos de vida, hechos, rumores y retratos que solo existieron en la mente del post-impresionista Vincent van Gogh (Willem Dafoe), la historia narra su vida en Francia donde vivió por un tiempo y convivio de cerca Paul Gau - guin (Oscar Isaac). Un tiempo en el que se creó las obras maestras más espectaculares con las que el día de hoy es reconocido en todo el mundo. AT ETERNITY'S GATE, no se trata de una película biográfica, se trata sobre ser un artista.

Afiche

Trailer de la película

ESTRENO JUEVES 24 DE ENERO

Para conocer más información de futuros estrenos que tendremos en nuestro país, les recomendamos seguir la páginas de facebook de Diamond Films Chile.

[Concurso Todos al cine] Colette: Liberación y deseo / Terminado

El próximo jueves 6 de diciembre llega a nuestros cines favoritos la película Colette: Liberación y deseo. La cinta está dirigida y escrita por Wash Westmoreland y protagonizada por Keira Knightley, Dominic West, Eleanor Tomlinson, Fiona Shaw y Denise Gough... ¡No se la pierdan! Para celebrarlo les traemos un espectacular concurso para ganar invitaciones para verla. Participar es muy fácil, solamente deben completar el formulario adjunto y ser seguidores de nuestras redes sociales.

Los requisitos para participar son: 

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2) Completar el formulario.
3) Vivir en la Región Metropolitana.

El concurso comienza hoy y finaliza el jueves 6 de diciembre. Los ganadores serán informados en nuestra página de Facebook. A continuación les presentamos la sinopsis oficial, el afiche de la película y el entretenido trailer.

Sinopsis

Una chica de campo poco convencional, Sidonie-Gabrielle Colette (Keira Knightley), se casa con un egocéntrico y carismático hombre de letras catorce años mayor que ella, conocido con el nombre de soltero, ‘Willy’ (Dominic West). Bajo los auspicios de su marido, Colette se introduce en el fecundo mundo artístico de las mujeres mundanas en París, que da lugar al despertar de su apetito creativo. Siempre rápido para capitalizar el talento, Willy le permite a Colette escribir sus novelas solo si lo hace en su nombre. El éxito fenomenal de su serie Claudine convierte a Willy en un escritor famoso y a Colette y Willy en la primera pareja de famosos moderna.

COLETTE: LIBERACIÓN Y DESEO es la historia de una mujer a la que un hombre autoritario le ha negado la voz, pero que llega a extremos extraordinarios para encontrarla. Una batalla de los sexos en el comienzo de la era moderna cuando los cambios sísmicos se llevaban a cabo en los roles de hombres y mujeres. Años después de la publicación de su primera novela, Colette sigue ubicándose entre los escritores franceses más vendidos.

Afiche

Trailer de la película

ESTRENO JUEVES 6 DE DICIEMBRE

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[Reseña cine] Museo: No hay preservación sin saqueo

Un peculiar robo hecho al Museo Nacional de Antropología de México en 1985, sorprendió a las autoridades al descubrirse que los culpables no eran ladrones profesionales de arte; si no que solo dos jóvenes de los suburbios. Esta es la historia de Juan Nuñez (Gael García Bernal) y Benjamin Wilson (Leonardo Ortizgris) y cómo en la víspera de Navidad cambiaron sus vidas.

Pese a ser un suceso real, la manera que tiene el director Alonso Ruizpalacios (Gueros) de relatar el robo es ingeniosa y encantadora. Como si cada secuencia fuese el capricho de un niño contándole una historia a sus amigos. El estilo de la dirección y cómo está escrito el guion convierten a Museo en una experiencia casi mágica y surrealista.

Es interesante ver que estos dos ladrones no roban por una urgencia económica o avaricia, más que eso, es algo místico. Va más allá de ellos. Como una nostalgia y melancolía que vive dentro de ellos buscando ser algo más que un par de estudiantes de veterinaria.

García Bernal es sublime, el actor continúa demostrando su solidez y versatilidad. Una, o quizás la mejor, de las escenas de Museo es la confrontación entre el mexicano y el chileno Alfredo Castro, quien hace del padre de Juan.

Durante la cinta se mencionan frases como que no hay preservación sin saqueo. Un dejo de orgullo nacional que trae a discusión el hecho de que muchas reliquias fueron robadas, vendidas, saqueadas hasta terminar –en el mejor de los casos- en los museos. O cómo sin los coleccionistas mucho del arte que se ha conservado, se habría perdido.

Museo es definitivamente una de las últimas gemas de México.

Por Constanza Lobos

[Concurso Todos al cine] Museo / Terminado

El próximo jueves 1 de noviembre llega a nuestros cines favoritos la película Museo. La cinta está dirigida por Alonso Ruizpalacios y protagonizada por Gael García Bernal. ¡No se la pueden perder! Para celebrarlo les traemos un espectacular concurso para ganar invitaciones para verla. Participar es muy fácil, solamente deben completar el formulario adjunto y ser seguidores de nuestras redes sociales.

Los requisitos para participar son: 
1) Pinchar "me gusta" en las fan page Hojas Mágicas y Bf Distribution
2) Completar el formulario.
3) Las entradas se deben retirar en Santiago.

El concurso comienza hoy y finaliza el próximo jueves 1 de noviembre. Los ganadores serán informados en nuestra página de Facebook. A continuación les presentamos la sinopsis oficial, el afiche de la película y el entretenido trailer.

Sinopsis

La cinta cuenta las circunstancias que rodearon al robo de varios artefactos prehispánicos del Museo Nacional de Antropología de la Ciudad de México en 1985, y la sorpresa de las autoridades al descubrir que los autores de semejante hazaña habían sido dos jóvenes marginales de los suburbios, Carlos Perches y Ramón Sardina (García Bernal y Leonardo Ortizgris), en lugar de los ladrones profesionales de arte a los que se le atribuía la sustracción de los objetos.

Afiche

Trailer de la película

ESTRENO JUEVES 1 DE NOVIEMBRE
Mucha suerte para todos y muchas gracias a BF Distribution por las invitaciones.

[Reseña cine] Amantes por un día (L'amant d'un jour): La fragilidad del amor

Del reconocido director francés Philippe Garrel, este jueves llega a las salas de cine la premiada película Amantes por un día (L'amant d'un jour). Proyectada en el Festival de Cannes en 2017 en donde resultó ganadora del premio Quincena de Realizadores. La cinta está protagonizada por: Éric Caravaca, Esther Garrel, Louise Chevillotte y Laetitia Spigarelli.

Filmada bellamente en blanco y negro, esta película es un verdadero deleite para los amantes del cine arte. Una obra poética, delicada y bella en donde la infidelidad, el deseo y las relaciones de pareja juega un papel primordial. 

Gilles (Éric Caravaca) es un profesor de filosofía que tiene una relación amorosa con una joven que podría ser su hija, Ariane (Louise Chevillotte), ambos viven juntos. A sus vidas llega la hija de Guilles, quien después de sufrir una ruptura con su pareja regresa a vivir con su padre. Las vidas de estos tres personajes se verán marcadas por el amor, el deseo y la infidelidad.

Los invito a disfrutar de una bella película francesa, narrada con delicadeza, con buenas actuaciones  en donde la fragilidad del amor se pondrá a prueba en todo momento. Disponible en El Biógrafo y Cineplanet la Dehesa. 

Por Gustavo Hernández

[Reseña cine] Una serena pasión (A Quiet Passion): Emily Dickinson ¿por qué no?

Emily Dickinson es una de las poetisas más influyentes de nuestro tiempo (dígase, nacida en 1803). Sus poemas, que giran en torno a las temáticas del amor y la muerte, son un acto de cuestionamiento revolucionario en una época donde las mujeres debían ser sumisas y devotas. Una serena pasión lo representa con claridad.

La película muestra la vida de Emily: una mujer atípica a su época, cuya mente crítica la convirtió en una persona poco apta para vivir en la sociedad. Un entorno férreamente católico y devoto que le exige postrarse ante las autoridades eclesiásticas y ante un Dios que Emily no está segura de que exista. La vida es un hilo estirado sobre una vela, deshaciéndose lento hacia un cielo incierto. Las escenas, supuestos pasajes de la vida de Dickinson (supuestos porque su biografía es más o menos desconocida), se mezclan con fragmentos de sus poemas. En el fondo todo bien.

Sin embargo, al ser una película biográfica, el ambiente es muy de 1800, la ropa es muy de 1800 y las actuaciones muy de personas de 1800. Es decir, todo es más o menos plano y parejo. Medio Orgullo y prejuicio, pero sin Mr. Darcy. Es una película de época con todo lo que se puede esperar de una y un poco menos de lo que uno realmente quisiera ver.

La actuación de Cynthia Nixon (Emily) es quizás la más destacable de todas. Los demás personajes resultan en su mayoría tan pedantes que es difícil empatizar con ellos. Si el objeto era demostrar un ambiente hostil, está bien logrado, pero no concuerda con el hilo de la película en su totalidad. No obstante, Emily sí transmite la pasión y aislamiento que dio contexto a su poesía.

Cuento corto: si les gustan las películas de época, tal vez puedan encontrar un amigable referente del género en esta obra; si les gusta la obra de Emily Dickinson puede que sea un bonito homenaje encontrar sus poemas mezclados con visajes de la vida de la poetisa. No es una mala película, hay que ir a verla ¿por qué no? pero ¡ojo! Véanla con tiempo y armados de paciencia.

Por Adriana Villamizar

[Reseña cine] Frantz: Un cliché entre guerras

Frantz es la historia de una joven alemana, Anna, que perdió a su novio, llamado igual que la película. Está ambientada en el período entre guerras posterior al armisticio entre Alemania y Francia. Varias escenas de la película están dedicadas a retratar el conflicto que quedó pendiente entre ambos países: los muertos no se olvidan tan fácil.

Hablando de muertos, Frantz se murió en la guerra. Y el mundo se volvió gris. La película también: la mayor parte es en blanco y negro, con confusos fragmentos a color que aparecen cuando algo de Frantz revive metafóricamente…o al menos, eso se entiende. El blanco y negro pretende ayudar a la ambientación de comienzos del siglo pasado, pero lo logra solo en algunas escenas. El resto, es un recurso innecesario, pero que, bueno… es cine arte… se le perdona. 

Adriene Revoir será el personaje que llega a conmocionar la vida de Anna. Él un joven francés, ella una joven alemana; él conocía a Frantz y pasa lo que tiene que pasar. Obviamente tiene que haber algo más porque no puede ser un mero caso de reemplazo de un joven muerto por otro joven exsoldado vivo. Adriene deberá enfrentar la desconfianza de los derrotados alemanes. En eso se va una hora de la película.

Después, Adriene no puede más con su secreto y le confiesa todo a Anna, que queda desolada. Todo muy cliché, muy predecible y bastante poco arriesgado. Luego, un período de redención y luego otro período luminoso que constituye un drama completamente distinto que viene solo a adornar la trama principal. Es algo así como que cuando llegas a la primera hora y se destapa la olla y miras que queda otra hora y te preguntas ¿qué mas puede pasar? ¿qué tanto más se puede alargar? Pueden y lo hacen: una hora más de un spin off de “Anna y Adriene: lo que pasa después de que ya no puede pasar nada más que sea coherente con la trama principal”. (Si lo dividieran en dos, probablemente ese sería el nombre).

Las actuaciones Paula Beer (Anna) y Pierre Niney (Adriene) son bastante aceptables. Paula Beer ganó el premio de “Mejor nueva actriz” en el Festival de Venecia de 2016 por su interpretación, merecida por los tres chilillones de primeros planos a su rostro inexpresivo o compungido. La película, dirigida por François Ozon, también ganó el Premio César a fotografía (a cargo de Phillipe Rombi) el 2016… Quizás ese es un motivo para verla. Otro mérito es que se trata un remake de “Broken lullaby”(1932) de Erns Lubitsch (quizás eso justificaba el blanco y negro… en 1932). 

En definitiva, después de esta reseña ¿por qué alguien querría ver Frantz? Es una película bonita, un poco deprimente, bastante predecible, pero bonita al fin y al cabo. Tiene un muerto, tiene lágrimas, tiene romance, tiene un cuadro de Manet y un suburbio francés. En una escena casi hay una mujer con escote. En fin…es cine-arte.

Por Adriana Villamizar

[Reseña cine] Aquarius: Obsesión púrpura, blanco y azul (Cine Arte Alameda / Netflix)

El departamento se ha quedado vacío porque los niños ya se fueron y el marido no está. Clara, en la maravillosa actuación de Sonia Braga, está sola entre cortinas blancas, acostada en una hamaca humedecida por el sudor de la tibieza marina. Los demás departamentos están desocupados, pero ahí está Clara.

El edificio Aquarius ha sido vendido casi en su totalidad a una inmobiliaria que quiere destruirlo para crear un gran “Nuevo Aquarius” más moderno. El mismo edificio en que Clara crió sus hijos, bailó con su esposo, lloró, cantó, rió. Los años han pasado, las personas han pasado, ella misma es otra, pero el Aquarius sigue ahí: como una pecera que condensa el tiempo. Un tiempo de colores púrpura, blanco y azul. 

Púrpura, blanco y azul son los colores que predominan en la fotografía de esta película, dirigida por Kleber Mendonça Filho y estrenada en septiembre de 2016, presentada en el Festival de Cannes y ahora disponible en Netflix y con algunas funciones en el Cine Arte Alameda. Púrpura como el deseo de las escenas eróticas donde se desenvuelve toda la sensualidad propia y característica de Sonia Braga; blanco como las cortinas que adornan el último piso ocupado del Aquarius y azul como el mar en que Clara se sumerge hasta hundirse.

La obra se divide en tres partes: La primera, el pelo de Clara, donde se contextualiza la historia en los ochentas y en la actualidad, la rutina de una mujer sesentona y solitaria, fuerte de carácter, voluptuosa en todo sentido. La segunda, el amor de Clara, es un retrato de la soledad en la pecera y la necesidad de contacto humano, de la reinvidicación de su estatus de mujer. La tercera, el cáncer de Clara, cierra la historia con un descubrimiento que permite la analogía visual: Clara es Aquarius. 

Aquarius es una obra de arte. No es una película para ver a la rápida ni para niños. Como toda pieza artística requiere tiempo para masticarla, para apreciarla y desmembrar todos sus elementos que son en sí pequeñas cápsulas metafóricas acompañado de un compás de bossa nova. Fue la única película de América latina nominada a la Palma de Oro en Cannes. Ganadora del premios en festivales de Sidney (2016), de Mar de Plata, (2016) en La Habana (2016), Fénix y del Independent Spirit (2017).

¿Por qué verla? Porque es una hermosa reaparición de Sonia Braga desde 2010 y escapa de los estándares del cine gringo al que estamos acostumbrados; un espectáculo de calidez y melancolía púrpura, blanco y azul.

Por Adriana Villamizar Rivera