[Concurso Cerrado] Participa por entradas para ver "Settembre"

Este jueves 30 de Noviembre llega a los cines la premiada película italiana "Settembre", y para celebrarlo les tenemos un súper concurso para ganar invitaciones para verla en El Biógrafo. Participar es muy fácil, solo deben completar el formulario y seguirnos en las redes sociales.

Los requisitos para participar son: 

1) Seguir en Instagram las siguientes cuentas: Hojas Mágicas, Gustavo Hernández y CDI Films Chile.
2) Completar el formulario.
3) Las entradas se deben retirar en Santiago (RM).

El concurso comienza hoy y finaliza el miércoles 29 de noviembre. Los ganadores serán informados en esta publicación y en las stories de Instagram. A continuación les presentamos la sinopsis oficial, el afiche de la película y el entretenido trailer.

Sinopsis 

La búsqueda de la felicidad, de las relaciones humanas auténticas y de nuevos comienzos, tantoa. los 15, como a los 40 o a los 60 años. Es el hilo conductor que une estas 3 historias. Es una comedia fresca que combina la emoción y la dolorosa ironía de la comedia italiana con una estructura narrativa muy americana.

Afiche

Tráiler 

ESTRENO EN CINES 30 DE NOVIEMBRE

[Concurso Cerrado] Participa por entradas para ver "Memorias de París"

Este jueves 12 de octubre llega a los cines la gran película francesa "Memorias de París", y para celebrarlo les tenemos un súper concurso para ganar invitaciones para verla en El Biógrafo. Participar es muy fácil, solo deben completar el formulario y seguirnos en las redes sociales.

Los requisitos para participar son: 

1) Seguir en Instagram las siguientes cuentas: Hojas Mágicas, Gustavo Hernández y CDI Films Chile.
2) Completar el formulario.
3) Las entradas se deben retirar en Santiago (RM).

El concurso comienza hoy y finaliza el viernes 13 de octubre. Los ganadores serán informados en esta publicación y en las stories de Instagram. A continuación les presentamos la sinopsis oficial, el afiche de la película y el entretenido trailer.

Sinopsis 

Un sábado por la noche, en otoño, Mia queda atrapada en un atentado terrorista en un bistró parisino. Tres meses después, sin poder retomar su vida y recordando sólo fragmentos de aquella noche, Mia decide investigar sus recuerdos para encontrar un camino de vuelta a la felicidad.

Afiche

Tráiler 

ESTRENO EN CINES 12 DE OCTUBRE

[Reseña cine] La espía roja: Amor en tiempos de espías

Sí, probablemente estarás pensando que el título de esta reseña no puede hacer justicia a una película del calibre de La espía roja, porque, seamos sinceros, no es justo hacer parodia de una obra de arte. Pero bueno, también es cierto que La espía roja hace explícita la unión de dos cosas que siempre aparecen juntas, pero que pocas veces nos detenemos a reflexionar: el amor y el espionaje.

Así tal cual. Imposible decir que el máximo 007 no hizo algunas locuras de amor. Hay un trasfondo ahí de amor-engaño en todo el rollo del espionaje, pero no nos vayamos en la profunda, sino que centrémonos en lo que vinimos: La espía roja. 

La película comienza (y no hay ningún spoiler en esto) con una mujer acusada de ser espía de los comunistas en la época de la Segunda Guerra Mundial. La cosa es que la acusan hoy -tipo SXXI- por algo que sucedió hace 50 años; por vincularse con la gente equivocada en el momento equivocado... por amar a Leo.

Leo es un joven revolucionario alemán, que viene a desequilibrar el mundo de la pobre e inocente Joan con sus aires de cambio ¿pobre e inocente Joan? Ni tanto. El peligro es que esta joven, estudiante de física, se posiciona en nada más y nada menos que lo que sería -tal vez- el proyecto que da curso a la Bomba Atómica... así que ¿pobre y inocente? ¿Hace algo efectivamente? Eso tienen que descubrirlo por su cuenta. 

Lo que sí les puedo contar es que es muy cool el salto temporal. Tanto que parece que fuera una sola línea de tiempo atemporal, pero no. Son muchos flash backs en los que se va construyendo una versión de la historia que nos permite hacernos parte y jurado de la vida de la pequeña camarada (el sobrenombre menos hot del mundo). ¡Muy recomendado! ¡En sus cines favoritos ya!

Por Adriana Villamizar

[Reseña cine] La Culpa: Películas que vienen a robarte el sueño

Dicen que el sentido más fuerte de los humanos es la vista. Una voz en tu oído está susurrando ayuda. Tú, a mucha distancia, quizás a poca, escuchas con detención sus palabras ¿Es un drogadicto más? ¿Alguien que la embarró mal y ahora está en un viaje pesado? ¿Un viaje auto-inducido? Y esa voz insiste. No puede respirar. Tú sientes que no es nada muy grave.

Y después una llamada. Una llamada que no esperas. Una mujer. Vas a cortar. Otro drogado ¿Estuvo tomando? Filo. Chao, pero no. Te detienes. Algo está pasando. Iben es su nombre. Iben. Está siendo secuestrada. No tienes nada que hacer. Las manos cruzadas. Pocas palabras. Iben. Iben.

Así empieza todo. Asger Holm, un agente de policía que está cumpliendo su turno en el teléfono de emergencia, recibe una llamada que le cambia la vida… y tiene que saber qué hacer desde un escritorio, alejado de todo. Porque esta llamada significa mucho más que un caso: es lidiar con los propios demonios. Es lidiar con las culpas. Muchas culpas.

Dicen que el sentido más fuerte de los humanos es la vista, sí, pero ¿saben qué es lo maravilloso de la película? Que la tensión aumenta cuando no puedes ver nada. Cuando tienes que ver con la mente. Todo es un poco más grotesco en la cabeza. Todo es un poco más complejo. Y La Culpa te tiene mirándole a los ojos a Asger. Viéndolo sufrir y pasándote una película en la película. Desesperado por su descontrol ¿qué control? ¿y de quién es la culpa?

Es difícil escribir mucho más de algo que solo se puede sentir porque la trama, en sí misma, no sale mucho de lo común. Es una historia policial que quizás expuesta en todas sus partes produciría tensión, pero no este sentimiento de desespero que te pasa al no ver nada. Andar tanteando y pensando lo peor. Iben. Iben en un auto. Iben secuestrada. Y uno, amarrado.

Entonces, ir a ver esta película es enfrentarse a no ver nada y verlo todo. A la impotencia; a la culpa del inútil; al miedo de depender de otros. Una de esos filmes que llegan a quitarte el sueño, a cuestionarte si se podría haber hecho algo más; qué habrías hecho en esa posición. A ver una película prescindiendo del sentido más fuente de los humanos.

Por Adriana Villamizar

[Reseña cine] El affaire de Sarah y Saleem: Del amor a la política

El romance y la política son nuevamente enfrentados en esta película que aborda una relación extra matrimonial entre Sarah, una mujer israelí que dirige un café y Saleem, un palestino de Jerusalén que trabaja como repartidor. Este affaire se complica cuando Saleem es acusado injustamente de trasladar prostitutas a Belén, lo que llevará a una serie de mentiras que terminarán por exponer esta relación.

El director palestino Muayad Alayan es muy consciente de la importancia del contexto social de su país y lo aprovecha con inteligencia en una película que contrasta la violencia más ligada al mundo de los hombres, con personajes femeninos intrínsicamente fuertes que deben dar una gran lucha para no ser pasadas a llevar. En ese sentido, es destacable que Sarah se perfile con el pasar de los minutos como la protagonista de esta historia, teniendo que enfrentarse a su esposo, quien es parte de la inteligencia israelí, como también al drama de la infidelidad para dos familias con hijos de por medio. 

El affaire de Sarah y Saleem no destaca de sobre manera en algún apartado en particular, pero en su conjunto se siente un film sólido, gracias a una historia honesta que logra mantenerte atento y siendo capaz de conmoverte por todas esas injusticias tan propias de una sociedad quebrada por la violencia.

Puede tratarse de un drama lejano a nuestro país, pero no le cuesta acercarte a su mundo, lo que rápidamente se convierte en la motivación por conocer esas exageradas implicancias de un simple affaire. No es para esperar ver una típica historia de amor, pero sí es un buen reflejo de cuando el desamor puede tener inesperadas consecuencias, incluso unir a dos familias separadas por un conflicto gigantesco. Pueden ver El affaire de Sarah y Saleem en salas alternativas.

Por Andrés Leiva

[Reseña cine] Somos una familia: Un hogar de buen cine

Al fin llegó el momento de hablar de esta película japonesa ganadora de la Palma de Oro en el pasado Festival de Cannes, porque ya llegó a nuestro país y viene además con una nominación al Oscar a “Mejor película extranjera”. Es Hirokazu Kore-eda el director japonés que dirigió, escribió y editó este drama familiar que explora de manera asombrosa los matices y las aberraciones de lo que significa crear un vínculo familiar. La historia nos muestra el lado más íntimo de una familia que vive en la precariedad absoluta, con unos padres acostumbrados a robar para enfrentar la pobreza y con muchos misterios y mentiras por rebelar. Esto se pondrá en riesgo en el momento en que deciden hacerse cargo de criar a Yuri, una pequeña niña maltratada por sus verdaderos padres. Hay una armonía muy particular en esta película que se traspasa desde la pantalla con naturalidad, y todo gracias a un Hirokazu Kore-eda que opta por desarrollar a sus personajes desde la inocencia pero tratando temas relevantes.

Osamu (Lily Franky) y su hijo pequeño Shota (Jyo Kairi) cargan con el peso de ser los puntos más fundamentales en una historia con muchas capas; habituales ladrones en supermercados y con una relación de padre e hijo que parece tener trabas profundas, las que se hacen evidentes con la llegada de la pequeña Yuri a cumplir el rol de hermana menor. El resto de la familia la conforman su esposa Nobuyo, la joven Aki y la abuela. Todos son importantes, y todos tienen cosas que esconder, por lo que cada paso que dan se vuelve enorme al comprender hacia dónde va la trama. La película busca que empaticemos con estos personajes desde la cotidianidad, y gracias a lo auténtico que resultan las actuaciones, su guion o los apartados artísticos permite que eso se de con extrema simpleza. Un desorden sucio como un sinónimo de familia, o un entorno limpio como un recipiente de soledad se hacen parte importante de estas realidades tan variadas que te puede presentar la ciudad de Tokio. Eso se complementa con que la película tiene una mirada infantil de lo precario que enamora. Detrás de un tono agradable y poco álgido del mundo de un niño se esconde una madurez que impacta, y es un contraste que funciona de maravilla. Shota tiene un viaje más gigante de lo que uno espera en un principio, y aquí la reflexión final que te deja la película es realmente tremenda, no creo que pueda dejar a alguien indiferente.

En definitiva, con tantas cosas para llevarnos para la casa nos asegura que estamos ante una gran obra japonesa que no se deberían perder, por lo que los invitamos encarecidamente a verla desde esta semana en CineHoyts y en salas alternativas.

Por Andrés Leiva

[Reseña cine] La Número Uno (Numéro Une): La eterna lucha entre la igualdad y el poder

Una de las características que atraen del séptimo arte es su variedad. La carta que se nos entrega está repleta de platos de diversos sabores que se ajustan a los gustos del espectador, y el cine francés, quizás exótico para algunos, posee un sabor exquisito. La Número Uno, de la mano de la reconocida actriz, guionista y directora Tonie Marshall, nos relata la vida de Emmanuelle Blachey (Emmanuelle Devos) la cual es parte de la junta directiva de Anthéa, un conglomerado energético especializado en la energía eólica.

Trabajadora, inteligente y aguerrida son algunas de las características que la perfilan como una de las más eficientes en su cargo, lo cual no genera mucha empatía con sus colegas, quienes en su vasta mayoría son hombres tradicionales para quienes el ejercicio del poder es algo natural y que el mérito solo sirve para incentivar resultados pero jamás algo que resaltar ni menos premiar. Sin embargo, todo cambia al enterarse de que muy pronto el puesto de CEO (Director Ejecutivo) quedará vacante debido al cada vez más cerca retiro de quien ostenta el cargo. Es aquí donde la historia pasa de ser un drama corporativo a un juego de ajedrez en el cual los intereses de inversionistas, feministas, familiares, machistas e incluso nacionales van moviendo ficha alrededor de la protagonista con tal de apoyarla en su objetivo o hundirla en el fango. 

Las actuaciones son excelentes y es que basta con tener en sus filas a nombres de la talla de Richard Berry (Jean Beaumel), Suzanne Clément (Vera Jacob), Marc Ronsin (Benjamin Biolay) y muchos más. Los planos son sencillos pero muy efectivos y por supuesto contamos con los conocidos cortes bruscos entre escenas lo cual es siempre característico del cine francés. 

Su banda sonora no posee canciones memorables pero marca bien el tono de la cinta, que se balancea constantemente entre el drama y el thriller político, sin dar cuartel a los momentos calmos ni tampoco derroche a los más intensos. Es importante que sepan que no hay acción trepidante ni momentos donde la emoción nos lleve al límite, La Número Uno es una cinta que se cuece a fuego lento, se va tomando el tiempo de lentamente colocar a los personajes donde deben estar y avanzar una de las múltiples tramas que se pueden encontrar en la historia, tomará un poco más de tiempo para calentar, pero vale la pena.

Ciertamente el feminismo juega un papel importante a lo largo de la película, presentándonos al grupo Olympia y su lenta pero constante influencia en la política francesa, pero, más allá de ser un recurso para impulsar la idea de una mujer con poder, busca demostrar que incluso en un mundo tan “moderno” como el nuestro, por desgracia seguimos contando con estándares machistas que son claramente obsoletos al momento de enfrentar los hechos con los prejuicios. Y es que Tonie Marshall no solo apunta al punto de vista femenino, sino que también se presentan situaciones donde hombres son puestos entre la espada y la pared simplemente por estar en el lugar y momento equivocado o por apoyar a quienes aman. Aun así, su mensaje es claro e invita al espectador a que sin importar el género, siempre se debe aspirar a la realización personal, no por las expectativas de otros, sino por uno mismo. Puede que no sea un filme atractivo para todo el público, pero si gustan de un drama situado en nuestro presente, donde la lucha de poder va más allá que solo restar puntos al oponente y disfruten del cine francés, La Número Uno, es para todas y todos ustedes.

Por Sebastián Yañez

[Reseña cine] Nuestra hermana menor: Un encuentro poético sobre la familia

El nombre Hirokazu Kore’eda ha sido mencionado varias veces a lo largo de este año por su último trabajo Shoplifters, desde antes que ganara la Palme d’Or en Cannes. Es quizás gracias a eso, que en cines nacionales se estrena Nuestra hermana menor. Una perla más del elegante collar que es la filmografía de Kore’eda.

Basado en un manga, la historia se enfoca en tres hermanas Souchi, Yochan y Chika. Ellas se encuentran en sus veinte y algo años, viviendo en una gran casa antigua en Kamakura. El padre que las abandonó hace 14 años ha muerto, la noticia las hace viajar al funeral donde conocerán a su media hermana; una adolescente llamada Asano Suzu. Desde el primer encuentro una conexión se genera y las hermanas invitan a la menor a vivir con ellas, juntas descubrirán la alegría de vivir.

Kore’eda es conocido desde sus primeros trabajos por poseer un tacto familiar, cotidiano y de memoria. En su ópera prima Kiseki, retrató la vida a distancia entre dos hermanos pequeños que se separan a causa del divorcio de sus padres. La altura de la cámara y cómo el director maneja a sus jóvenes actores permite mirar desde un rincón la intimidad e ingenuidad de dos niños que quieren volver a estar juntos como familia. Aquí en Nuestra hermana menor es una familia fragmentada que se une, sin negar el pasado y abrazando el presente.

La dirección y guion a cargo de Kore’eda conforman una historia profundamente conmovedora, liderada por sus cuatro protagonistas y los cercanos que las acompañan. Cada hermana es fácil de distinguir por su carácter, motivos de sonrisa y llantos. Una observación plena y sincera a la condición humana y a formar lazos. Los hijos no debiesen cargar los errores de sus padres y este filme es una prueba de ello.

Un relato universal que produce una pintura preciosa. Escenas que quitan el aliento por su cinematografía. Espacios que hablan por los personajes, cuando no hay necesidad de diálogo. Lo bello del trabajo del japonés es que no necesita explicarse a sí mismo, al contrario, su mensaje se transmite con intensidad a la fibra más fina del corazón.

Personalmente creo que es una de las piezas más ligeras y felices de la obra del nipón. Y es una película que merece ser vista y compartida. Es una promesa hecha de que saldrán de la sala con un sentimiento cálido, agradeciendo los minutos en que fueron parte de esa familia.

 Por Constanza Lobos

[Reseña cine] Paraíso: Una mirada rusa sobre el holocausto

Dentro de los estreno que llegan esta semana a cartelera, tenemos al filme ganador de la mejor dirección en el festival de Venecia… del 2016. “Paraíso” de Andrei Konchalovsky, una película sobre tres personajes que cruzan sus caminos durante el holocausto en plena segunda guerra mundial.

Considerando la gran, gran cantidad de películas que se han hecho en base a los terribles eventos que transcurrieron durante el holocausto, es difícil pensar que llegue algún filme que logre innovar y mostrarnos algo nuevo. Paraíso en este sentido lo logra a medias, pues a pesar de tener una historia relativamente simple y predecible, los personajes se construyen de manera compleja, pero al mismo tiempo se ven excesivamente estilizados en su tratamiento.

De esta forma, Konchalovsky intenta complementar una hermosa fotografía en blanco y negro con interrupciones narrativas en forma de entrevistas, que, a pesar de que tienen un propósito particular, terminan por entorpecer la narrativa y el ritmo de la película.

Lo que sí es un punto fuerte es el rol protagónico de Yuliya Vysotskaya, brillando con fuerza en cada momento que está frente a la cámara. Sin embargo, esto no logra ser suficiente para darle a Paraíso el título de antológico respecto a los otros filmes sobre el holocausto.

A veces las decisiones formales que toma el director logran elevar a un filme hasta lo más alto, pero en el caso de Paraíso, hay altos y bajos en lo que respecta al tratamiento. El exceso de formalismo a la hora de construir la historia termina por verse como algo más pretencioso en vez de aportar al desarrollo una narrativa que, sin tanta interrupción, se disfrutaría mucho más. Dentro de todo, Paraíso es una película que vale la pena mirar, pues es de esos que pueden lograr discusiones enriquecedoras acerca de la naturaleza de las películas que hablen del holocausto y el nazismo.

Por José A. Pino

[Reseña cine] Amores frágiles (Amori che non sanno stare al mondo): La decadencia del sufrir

Claudia (Lucia Mascino) y Flavio (Thomas Trabacchi), fueron una pareja apasionada que luego de siete años se separaron. Sus vidas y mundos han cambiado, él quiere avanzar mientras ella no quiere olvidar. Una pertenencia que no quiere perderse, que en ciertos momentos demuestra un cierto tipo de neurosis.

La desintegración del amor de ambos, con un toques de comedia e ironía, vuelven de Amores Frágiles un drama romántico lleno de crisis. Las actuaciones tanto de Mascino como de Trabacchi transmiten ese dolor genuino de la derrota. La química, tanto en las elipsis donde se les muestra juntos y separados, no quita el magnetismo que tienen como dúo.

Francesca Comencini, es quien dirige y trabaja como guionista en la adaptación de su libro homónimo. Los alcances de su mirada femenina tienen altos y bajos. Los primeros minutos se hacen difíciles de soportar por la histeria y desorden con que se presentan.

El abuso de lo repetido y conocido deja de molestar cuando Comencini presenta acercamientos interesantes a conceptos como el llamado sistema hetero-capitalista. Un régimen que suma edad a las mujeres en términos de vida sexual. Entonces se ejemplifica -en la película- cómo una mujer de 44 años, divorciada, con hijos y lifting tiene en realidad 65 según este sistema machista.

Amores frágiles posee varias escenas de sexo -algunas sobran- durante la cinta. Una que destaca por, quizás, su guiño a La vida de Adèle (Blue is the warmest color), es entre Mascino y Valentina Bellè. La mirada femenina de Comencini entrega una escena intensamente erótica, cargada de sensualidad sin conflictos de poder.

Por Constanza Lobos

[Reseña cine] Godard, Mon Amour: La revolución y el desamor que marcaron la vida de Jean-Luc Godard

El cine de los años sesenta representó muchos cambios, los cuales estuvieron influenciados por los variados conflictos políticos de la época. Entre eso, la figura del cineasta francés Jean-Luc Godard marca un hito importante, ya que sembró las bases fundamentales de un movimiento vanguardista, el Nouvelle Vague. En medio de su auge que lo llevó a tener una gran popularidad, más los posteriores cambios que lo llevarían a acercarse más a la política y a experimentar con nuevas técnicas cinematográficas que mezclaban el lenguaje del documental con la ficción, existió una historia de amor que estuvo metida en medio de todo ese caos mediático. De esa historia se hila este biopic dirigido por Michel Hazanavicius, conocido por dirigir la premiada “El Artista”.

Aquí la protagonista de la película es ella, Anna Karina. Una hermosa actriz francesa de 19 años quien decide entablar una relación con el director luego de conocerlo en el rodaje de una película. Ella nos va relatando desde el comienzo el tipo de persona que es Godard en ese momento, la fama que lo precede como artista, porqué está enamorada de él. En base a eso, la deconstrucción de una relación que ya está establecida desde los primeros minutos es lo que nos permite ir profundizando en Godard por medio del rechazo, al ser el poeta que desde fuera de su cine lucía más por su prepotencia e inseguridad. Anna refleja todo lo contrario, el extremo paciente y silencioso de alguien que ama, pero también de alguien que comienza a perderse lentamente en medio de una revuelta de proporciones. Esta mezcla es llevada con soltura por el director, gracias a lo bien que maneja el ritmo mediante la música y su humor sutil, lo que ya viene a ser parte de su sello que busca ser reminiscente a otra época, a otra forma de hacer cine.

No siempre funciona perfecto, ya que por momentos no hay una idea muy clara de hacia dónde va la historia, especialmente en la primera mitad. Godard comienza a entrar más en la política y al mismo tiempo aparecen sus signos de deterioro, pero le dan mucha pantalla a él y no siempre termina siendo relevante. Hay algunas escenas muy parecidas entre sí y puedes llegar a desinteresarte, en especial si no estás familiarizado ni interesado en el conflicto social de la época, menos aún por las pocas opciones de empatizar con Godard. Pero todas las labores en la dirección permiten que nunca se vuelva aburrida, ya sea por esa actitud desagradable de Godard que llega a ser llamativa, o simplemente al dejarte llevar por una cinematografía que es bella de ver y liviana de escuchar. Estos reparos se van solucionando llegando a los capítulos finales, donde Anna tiene la oportunidad de ganar más protagonismo, y sin necesitar de diálogos para conseguirlo. Esa gracia hay que atribuirlas en parte a la buena elección de Stacy Martin para el papel.

En definitiva, Godard, Mon Amour no parece ser una nueva gran ganadora de premios este año, pero es un buen biopic. La película aprovecha a un director que le viene bien trabajar con películas de época para darle ritmo y sobriedad a un relato valioso por lo que representa, introduciéndonos en un aspecto poco conocido de uno de los directores de cine más influyentes de su generación, independiente de que la cinta nos hable más de los conflictos de su Godard con el sistema, que de su estilo de para hacer cine. Aunque en el fondo, la relación sea más estrecha de lo esperado.

Por Andrés Leiva

[Reseña cine] La Librería (The Bookshop): El valioso espacio de la literatura

Inglaterra, año 1959 y Florence Green es una joven viuda y bonachona que deberá defender su convicción de usar su antigua casa para abrir una librería, ya que una poderosa mujer hará todo lo posible por usar este inmueble para otro fin. Así es la premisa de una película que tan solo al comenzar nos da a entender que veremos una historia amigable y de tinte autobiográfico, pero más desde una mirada infantil. La voz en off que describe cosas básicas de la protagonista, o que se tope con personajes inofensivos, todo nos acerca al cine familiar. Pero consideremos que esto no es una comedia, como tampoco llega a lucir como un drama duro. Más bien es como un cuento que se apasiona al hablar de libros, y que atrae por un estilo audiovisual bien inserto a la época en que está ambientada.

Es un relato amable, donde las melodías alegres y la maldad disfrazada de simpatía hace que sea sencillo que den ganas de ver hacia donde mutará la historia. Y funciona, al menos mientras conoces a sus personajes secundarios entrañables. El punto alto está allí, donde el amor por los libros une a las personas y se crean cosas que pueden sostener un mundo que siempre ha estado demacrado por un poder político egoísta y dominado por los hombres. Y no es casualidad que ambas fuerzas, la protagónica y la antagónica sean mujeres que ejercen distintos tipos de poder. Son ideas bien tratadas por Isabel Coixet, quien imprime su sello bastante influenciado al dirigir y escribir esta historia ágil, con un gran predominio del uso de la música pero que no se excede nunca en su ejercicio de estilo.

Aunque diré que también se me queda a medio camino por una falta de profundidad en un conflicto que podría haber terminado de manera más interesante. Sentí que desaprovecharon buenas actuaciones, como la de Bill Nighy al no apostar por ir un poco más allá en el desarrollo de sus personajes, o de al menos darle un peso mayor a un conflicto que podría haber tenido un mejor desenlace. No es que sea malo, pero en la suma quedé con la sensación del vaso medio lleno. Aún así puedo asegurar que la película es sincera consigo misma, y una muy agradable de ver. Por lo tanto, si te gustan las historias livianas, que cuidan su ambientación y con mucho cariño por la literatura puedo hacerla mi recomendación segura de la semana.

Por Andrés Leiva 

[Reseña cine] Amantes por un día (L'amant d'un jour): La fragilidad del amor

Del reconocido director francés Philippe Garrel, este jueves llega a las salas de cine la premiada película Amantes por un día (L'amant d'un jour). Proyectada en el Festival de Cannes en 2017 en donde resultó ganadora del premio Quincena de Realizadores. La cinta está protagonizada por: Éric Caravaca, Esther Garrel, Louise Chevillotte y Laetitia Spigarelli.

Filmada bellamente en blanco y negro, esta película es un verdadero deleite para los amantes del cine arte. Una obra poética, delicada y bella en donde la infidelidad, el deseo y las relaciones de pareja juega un papel primordial. 

Gilles (Éric Caravaca) es un profesor de filosofía que tiene una relación amorosa con una joven que podría ser su hija, Ariane (Louise Chevillotte), ambos viven juntos. A sus vidas llega la hija de Guilles, quien después de sufrir una ruptura con su pareja regresa a vivir con su padre. Las vidas de estos tres personajes se verán marcadas por el amor, el deseo y la infidelidad.

Los invito a disfrutar de una bella película francesa, narrada con delicadeza, con buenas actuaciones  en donde la fragilidad del amor se pondrá a prueba en todo momento. Disponible en El Biógrafo y Cineplanet la Dehesa. 

Por Gustavo Hernández